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Películas comentadas por señorita combativa.     
Estas son las películas comentadas por señorita combativa., ordenadas de acuerdo a las estrellas con que las clasificó, de más estrellas a menos.

5 estrellas Los Trenes Rigurosamente Vigilados TE
Si es cine checo, es bueno.
  12-05-2007
El cine checo (por lo menos el que ha llegado a Chile) combina una sorprendente originalidad temática, una plasticidad prolija y una gran inteligencia. Pensemos desde el célebre Milos Forman o Svankmajer, para nombrar los más conocidos.
Menzel tiene un humor extraño, bastante enrarecido. Mezcla perfectamente la calidez y la sequedad. Las experiencias trágicas las enmarca en un contexto de falsa comedia. Crea personajes originales, traviesos, cercanos, amables y sorprendentes. Utiliza locaciones rústicas y ordinarias y las devela con gran belleza. En el mundo de Menzel lo absurdo convive con lo imaginario. Detrás de esas atmósferas frías, funcionales, de burocracia hastiada, y de ideales políticos en descenso, hay magia, alegría, una inconmensurable humanidad encarnada astutamente en conmovedores personajes. Cinta altamente recomendable.
 
5 estrellas La Habitación del Hijo 14
La verdadera tragedia es la vida misma.
  08-04-2007
Muchas veces nos enfrentamos al cine como una gran pantalla-espectáculo en la cual podemos apreciar las grandes tragedias, las pequeñas historias y las hilarantes comedias como si fueran relatos extraordinarios. Nos sorprendemos con las actuaciones histriónicas, con la fotografía preciosista y con las atmósferas efectistas. Hemos ido al cine a buscar una distancia inexistente, ideando un mundo ajeno a la realidad circundante. Este filme nos ha hermanado con nuestro mundo mediante una historia que cuenta la desdicha más temida por todos: la muerte inesperada de la persona que más amamos.
Aquí la desgracia no tiene sentido. Tampoco se nos entregan explicaciones metafísicas, teorías humanistas, ni existencialistas. La ausencia y la amargura se desatan inevitablemente cuando la vida se nos escapa a cada instante sin darnos tregua ni respiro para disfrutar lo perdido, para comprender lo inexplicable o para reparar lo fracturado. Cada pequeña e insignificante acción se revela como entrañable y escalofriante: las tardes familiares, los cantos improvisados, la rutina escolar y laboral, la tristeza surgida en el trabajo. Este relato no posee prosa grandilocuente, ni apariencia maravillosa. Y esta supuesta debilidad es la más inteligente estrategia que lo eleva a cinta inolvidable.
 
5 estrellas Cartas desde Iwo Jima 14
¡Bravo!
  09-02-2007
Toda la intensidad que carecía En defensa del honor se halla en esta verdadera muestra de buen cine. Logra un realismo cruel al combinar una atmósfera claustrofóbica y angustiante junto con una cámara próxima y contemplativa, convirtiendo a Letters from Iwo Jima en una cinta inolvidable.
Su relato es elocuente al mostrar los extremos ilógicos de la guerra, junto con un lenguaje elegante y un manejo inteligente del ritmo. Desentraña a los japoneses con una complejidad psicológica inusitada; los desnuda en su valentía, en su violencia, en su honor ancestral, en sus miedos, en su curiosidad, en su bondad e incluso en una sorprendente ternura. Es una historia simple que ha prescindido de todos los clichés y moralismos que adolece el género bélico. Nos estremece al comprender de manera tan íntima la falsedad de la guerra y cómo ésta genera diferencias y barreras inexistentes entre los seres humanos. Por su mensaje y sentido, en sus episodios más logrados, me hizo recordar a La Gran Ilusión.
Fíjense en Kuribayashi y en el barón Nishi, realmente son personajes increíbles.
 
5 estrellas Grizzly Man (Edición Zona 1) 18
Impactante
  28-07-2007
Herzog una vez más vuelve al tópico de la lucha del hombre contra la naturaleza. Pero esta vez desde un impulso más radical: el hombre que quiere ser la naturaleza misma. La naturaleza exótica, peligrosa y exuberante de cintas como Fitzcarraldo y Aguirre la ira de Dios, aquí se revive desde el punto de vista del pesimismo: la desprotección del hombre ante el poder del mundo natural, un mundo que no contempla los sentimientos de los humanos, quienes están cada vez más desprovistos de amor y comprensión. Tal vez uno de los trabajos más desoladores del cineasta alemán. Memorable documental, dónde lo increíble se funde con la tristeza. Uno de los títulos que debes ver.
 
5 estrellas Roma 14
Una obra madura
  02-10-2006
Pienso que es una de las más sinceras y sólidas cintas de Aristarain desde los años 90. ¿Por qué? Aquí pueden verse las preocupaciones y las características del director de manera diáfana y sin estructuras. Porque lo que resalta en sus grandes obras como Un lugar en el mundo y Martín Hache, son sus manifiestos ideológicos, la inquietud y la impotencia de un hombre de izquierda que se niega a desaparecer en una estructura capitalista y nihilista del mundo occidental post-guerra fría.
Aquí no emerge tanto ese Aristarain cerebral, sino que su faceta más sentimental. Aquel que busca su lugar en la existencia, aquel director sentimental que va directo a los sentimientos y asperezas de la vida. Aquel que aborda las miradas, los silencios, los rostros dubitativos. La vida en lo dulce y agraz. Todo su cine sublimado con el amor más verdadero que existe: el amor materno. Realmente es fantástica, y a pesar de ser minimalista (como todas sus obras), tiene esa admirable capacidad de estilizar la realidad al máximo, pero con el mínimo de recursos auditivos y visuales.
 
5 estrellas El Arca Rusa TE
Eisenstein, Tarkovski y ahora Sokurov
  03-07-2006
La primera advertencia es que si no consideras el cine como un arte válido para reflexionar sobre el cine, el arte y la historia, mejor aléjate de esta cinta. Sokurov se ha integrado en la notable lista de los directores rusos que, como Eisenstein y Tarkovski, logran una estética impresionantemente bella, pero con un gran contenido filosófico. Mientras la totalidad de los realizadores trabajan con el montaje, como si fuera la esencia misma del cine, Sokurov lo niega. Entonces ¿si el cine no es montaje, entonces que es? Es movimiento total, tiempo real, es el registro de la fantasía, de los sueños, una reflexión sobre aquellos personajes anónimos que entran y salen de nuestras miradas y que nunca más los volveremos a encontrar. Aunque El Arca Rusa es una reflexión sobre el paso inevitable del tiempo, sólo nos queda como Sokurov, evocar la memoria histórica para volvernos imperecederos. Ella nos ha enseñado a través de las guerras, las disputas territoriales, de los pasados gobernantes, sobre las alegrías y las tragedias que nos antecedieron. Son múltiples las reflexiones que nos otorga esta grandiosa película. Es una pena que algunos se hayan limitado a reducirla a aspectos técnicos fútiles y a su plano secuencia estructural.
 
5 estrellas Mi Tío 14
Clásico, casi sin palabras
  08-08-2006
Se ha puesto bastante de moda los filmes en donde casi no existen las palabras. Creo que deberíamos remitirnos a este tipo de obras fundamentales en donde las palabras en sí, como formas de discursividad, no existen como tales. El personaje de Hulot (no creo que sea coincidencia el parecido con Charlot), es un verdadero homenaje sobrio a la tradición de cine mudo con una raigambre crítica hacia los avances de la sociedad, que es representado de forma proverbial por Charles Chaplin. La crítica hacia la modernidad y a la precaria calidad de vida que esta nos provee, me hace recordar a Tiempos Modernos. La gran diferencia está en que Tati imprime un humor mucho más elegante y sofisticado que Chaplin (parecido a Buster Keaton). Tati, por ejemplo, en este filme no utiliza primeros planos, lo que conlleva traspasar la comicidad a otro tipo de recursos como la expresión corporal,la arquitectura, a los ruidos, en las circunstancias y atmósferas. Es una película muy inteligente, que reactualiza según la visión francesa, la crítica hacia los aspectos más deshumanizantes y anti-funcionales de la posmodernidad europea. Podría ser recomendable para los seguidores del cine mudo (Buster Keaton, Chaplin en su visión más analítica). También podría ser interesante determinar cómo Jacques Tati hereda gran parte de ese tipo de filmografía.
 
5 estrellas Sexo, Mentiras y Video 18
Sutil, cotidiana e inteligente
  04-08-2007
La sexualidad, sin duda, tiene límites que no son convenientes de traspasar. Uno de ellos es cuando el erotismo puede volverse en una compulsión hedonista. Todo tratado en cuatro personajes: dos personajes ávidos de sexo y que sólo pueden satisfacerse primariamente; una mujer que busca sin saberlo el erotismo o el sexo como expresión de afectividad; y un hombre atormentado en la obsesión voyeurística del video (inteligente alusión a la pornografía casera).
Creo que jamás había visto un planteamiento del sexo y el erotismo tan sutil. Su atmósfera de cotidianeidad y naturalidad la refuerza en su realismo. Lo único que podríamos criticarle a Soderbergh es su conservadurismo al plantear maniqueamente el sexo instintivo como perdición, y al amor como único sendero. Todas las demás críticas son pura atrofia retiniana. El cine no puede entenderse exclusivamente como entretención fácil o como grandes actuaciones. Esa visión de cine es muy básica.
 
5 estrellas Senso 18
Para iniciarse con Visconti.
  08-04-2007
Esta cinta de Luchino Visconti, maestro admirado por directores tan disímiles como Scorsese o Aki Kaurismaki, es una buena muestra barroca de los tópicos recurrentes de su cine: los procesos dramáticos y autoconscientes de sus personajes, la puesta en escena operática, el esplendor y decadencia de la aristacracia, la sofisticación obsesiva por los movimientos de cámara y el detallismo fotográfico. Es un documento atestado de sensualidad onírica, elaborada por un noble con preocupaciones sociales, que tuvo el valor de recrear magistralmente el mundo de su niñez mediante una mirada crítica de la historia de la nación italiana. Recomendada para los que saben ver cine.
 
5 estrellas Caché 14
Filme pesadillesco
  03-03-2007
Un brillante ensayo sociocultural sustentado en un ambiente de repulsiva tranquilidad. Revela lúcidamente el egoísmo de la clase media europea. Porque más allá de las indagaciones mediáticas y las frías abstracciones de lo que es real o falso (Víctor Cubillos en la web La Fuga lo analiza), me parece más impactante la actitud de pasmosa indolencia en la que están cayendo los países desarrollados. Franceses protegidos en sus inmensas bibliotecas, intelectuales que son felices mientras hay gente que se despedaza en Irak, una familia que desecha a un chico argelino como si fuera un tiesto inservible. La sociedad que olvida y se exonera del abuso de poder efectuado históricamente en sus antiguas colonias, y que actualmente se sorprende al ver el resentimiento de un argelino o la furia de un ciclista subsahariano.
Haneke con un delicioso sarcasmo demuestra la fragilidad de una familia ejemplar, que se vanagloria de su mundillo que es más falso, superficial y ruin de lo que ellos creen. Poseedor de una admirable manipulación formal, se alteran radicalmente los valores y las emociones convirtiendo lo real en falso, la tranquilidad en paranoia y lo cotidiano en excepcional. Hay alguien que comentó que Haneke es un soberbio, yo prefiero llamarle provocador, y esto junto con su agudeza lo hace un director atractivo.
 
5 estrellas Estación Central TE
La mejor cinta de Walter Salles
  20-10-2006
Un viaje hacia los orígenes más remotos y primigenios de la cultura brasileña. Allí, donde los habitantes intentan adaptarse a una modernidad inalcanzable y que conviven en la urbanidad más desalmada, emerge un Brasil real. Un país lleno de rostros y palabras cotidianas, una realidad social que ignoramos en una estación de buses y una verdad mítica al interior de una tierra impenetrable. A través de estos elementos, se nos revela una sociedad que aún con graves carencias modernas -como el analfabetismo-, posee una riqueza religiosa inconmensurable.
Estremece ver la devoción y las manifestaciones de religiosidad hacia la Virgen y al niño Dios, símbolos protectores de un pueblo repleto de seres huérfanos y vulnerables como Josué y Dora. Aquella crítica que denuncia la pobreza y el hambre, queda redimida mediante la dignidad de su gente que ha podido preservar sus raíces más sincréticas y profundas. Aquel sertao, considerado como tierra yerma y árida, nos parece esplendoroso y desbordante de poder trascendental. Un filme realmente emocionante.
 
5 estrellas Vagabond (Edición Criterion Zona 1) 14
URGENTE: Arrienda y pide más Varda.
  28-07-2007
Estamos ante una cineasta excepcional. Actualmente tiene 79 años y filma como los dioses. Es coetánea de los franceses de la nueva ola (Godard, Truffaut, Demy), pero ha adaptado su poética a los tiempos actuales. Ha filmado la revolución en Cuba, la pobreza de los campesinos franceses y la posición de la mujer en la sociedad europea.
Pudo influenciar perfectamente al cine social de los Dardenne, pero se aleja de su racionalismo. La Varda antes de pensar, siente y nos emociona. Aunque Vagabunda sea una historia terrible y verídica, tiene la cualidad de acercarnos a ese mundo frío, seco, solitario y masculino por el que deambuló la protagonista. Marginalidad y filosofía; la búsqueda de un lugar inexistente, de la independencia más absoluta que se aproxima a la autodestrucción. Cada personaje es conmovedor, querible, gracioso y humano. Un filme lleno de pequeños detalles. Obra maestra ganadora del León de Oro.
 
5 estrellas Primavera, Verano, Otoño, Invierno...y Primavera 14
El ciclo del ser humano
  13-07-2006
Como la serpiente que está destinada a ondearse para desplazarse, sometida al continuo cambio de su piel; como las estaciones que terminan y vuelven a comenzar; ese tiempo circular es el mismo que explica la dimensión mítica que el hombre ha olvidado. Ese hombre, que en su naturaleza es naturaleza misma, posee un amor tan entrañable como destructivo, es tan bello como terrible; como el verano que debe su existencia al invierno, y el invierno al verano. Lo terrible no es lo que el hombre es capaz de hacer, sino que el aprendizaje, la más pesada lección, es el mismo eterno retorno de la serpiente y de las estaciones. En ese lento y torpe aprender, perdemos el orgullo de nuestra racionalidad, nos volvemos vulnerables, al igual que la renovación de la naturaleza: el hombre necesita de ese ciclo. Ahí donde el hombre ha dejado la civilización, dentro de los bosques impenetrables tratando de alcanzar la espiritualidad sublime, dos monjes budistas nos mostrarán esta enseñanza. Lección pesada como la piedra, dolorosa como el llanto de un niño, impotente como el padre que se suicida por su traición, insoportable como la responsabilidad humana, pero hermosa como la primavera.
 
5 estrellas Nuestra Música TE
Espléndida, pero de lenguaje hermético.
  30-08-2006
La música es el idioma universal. A través de sus armonías transmite emociones; acaba con nuestras desigualdades. La poesía, la literatura y hasta el cine, aunque intenten el humanismo y el pacifismo, son armas capaces de desunir. He aquí la importancia de Nuestra Música. En esta cinta las acciones se diluyen ante un gran mar de pensamientos filosóficos. De una filosofía poética, no por la belleza de la forma o de las palabras. Palabras que nos llenan de reflexiones, que nos exponen cómo el hombre ha sido prisionero de sus grandes construcciones como la democracia, el triunfo, la derrota, la guerra. Mientras reflexionamos, la música se interrumpe. Aparece el silencio, cuerpos cortados por los encuadres, travellings hermosos y nos dejamos envolver por idiomas extraños. Este collage seduce porque la yuxtaposición de las texturas, de facciones, de pigmentaciones, de razas y de sus lenguajes, son dispuestos de manera admirable. El filme, como la música, hace que la diferencia entre el yo y el otro, tenga la fragilidad de la convención; al igual que el campo y el contracampo. Hermoso como el paraíso final, aquel lugar utópico donde los hombres y mujeres se entienden sin palabras, mientras la luz alumbra nuestro pensamiento.
 
5 estrellas Diálogos de Exiliados TE
Antes de ser francófono
  07-09-2006
Los Diálogos de exiliados es una cinta de análisis sociológico más que una obra política militante. Siempre he admirado el gran sentido del humor de los surrealistas. En el caso de Ruiz, este lo ha logrado al parodiar lo más irracional y extraño de nuestra cultura: la sociabilidad, la indolencia, el hacinamiento, la picardía de la gente, la inconsecuencia, los eufemismos y la locuacidad. Algunos de los modos sociales más habituales son potenciados en su más grande extrañeza, suscitando muchas sonrisas. Sigue una misma línea que en su filme Palomita Blanca, donde los diálogos verborreicos y confusos terminaban por destruir la coherencia de los discursos; donde la cámara sigue la fluidez por la que los personajes circulan en estrechas casas y donde se atiborra la pantalla con aglutinamiento de personas, objetos y ruidos. Aunque filmada después del Golpe, es sorprendente cómo puede tener una temática tan vigente. Es una gran película que sorprende en su calidad de documento fresco y casi improvisado, por sus actuaciones graciosas y no profesionales. Es interesante también la agudeza con que se mira la frontera que separaba a algunos chilenos. Derechistas e individualistas e izquierdistas-agremiados, todos interactuando junto con franceses humanitarios y autoridades interesadas en explotarlos laboralmente. Un clásico de nuestro cine, más aún, un documento que nos muestra a Ruiz en su barroquismo a la chilena. Un antecedente excepcional de revisar ante su actual y lejana (para algunos) posición franco-chilena experimental.
 
5 estrellas El Acorazado de Potemkin 14
Arte de la emoción
  08-08-2006
La grandiosidad de este filme radica en poner en práctica los fundamentos del montaje de la escuela soviética, en los cuales se basará el cine contemporáneo. Como hablamos de un filme que refleja los principios lingüísticos del cine, la unión y expresión de las imágenes al ser comparadas a los filmes actuales, es bastante ingenua. Pero esa misma escritura rudimentaria, prescindida totalmente de los artificios computacionales a los que estamos acostumbrados, la convierte en una obra que perdura hasta el día de hoy. La expresividad es impactante, y más de alguien se emocionará con el genio que Eisenstein que, aún en su etapa muda, pudo retratar una simple historia con tanto sentimiento, emoción, y pasión. Todavía me desespera la bajada brutal de los cosacos en las escaleras de Odessa, o me maravilla la poesía coreográfica de los veleros en el mar, o me parece real en extremo la extraña fisonomía de la gente. El acorazado de Potemkin nos recuerda que el cine de autor no es tan sólo una creación cerebral, sino que puede rescatar uno de los objetivos más básicos y que conforman la magia del cine: suscitar emociones en los espectadores. No puedo recomendárselos a los cinéfilos (porque ya lo han visto), pero sí a las personas que deseen conocer a uno de los genios más lúcidos de la historia del cine.
 
5 estrellas El Carnicero TE
Inquietante
  16-12-2006
Claude Chabrol no es el maestro del suspenso como se dice. El recurso de dilatar la espera y la angustia de un acontecimiento que se intuye su resolución es una cualidad de un Hitchcock o un Brian de Palma. Por su parte el galo aborda algo más sutil y perturbador: los misterios y tormentos secretos del alma humana. Hay momentos inquietantes que no acaban nunca.
Aunque veamos resolución de acciones, la atmósfera de desconcierto es tan asfixiante que nos estremece esa dimensión desconocida e irracional que pervive en todos nosotros. La cinta parece sugerir que hay una condición intrínseca que nos acompaña desde nuestro pasado más prehistórico. Genial la concatenación de unidades narrativas y su estética realista. Como filme de misterio tiene esa maestría del manejo del ritmo y, lo que es sorprende, es cómo conjuga esta soltura del género con los silencios, las miradas, los gestos y los largos planos secuencias propios de una estética del realismo. Realmente imperdible.
 
5 estrellas El Latido de mi Corazón 14
Grata sorpresa
  02-03-2007
La historia de un ser humano imperfecto abordada con modestia y gran sabiduría. Desde el prejuicio, es sabido que la combinación de cine arte francés, junto con el tópico del arte mismo, podría ser tomado de forma elitista. Sería esperable que se desarrollaran temas trascendentales entendidos como esencias humanas. El latido de mi corazón no se desgasta en esas explicaciones, aunque su trasfondo es plenamente universal. Tiene una premisa y resolución completa, una acción constante con pequeños toques de laconismo que la revisten de gran fuerza. No es tan desconcertante como La Profesora de Piano, ni tan explicativa como Fuga. Sólo esto: la evolución coherente de una suerte de héroe contemporáneo que ha podido librarse de la tragedia y abandonar los bajos fondos. Y el camino hacia su liberación, los dilemas y juicios son inútiles ante una sociedad llena de miserias.
 
5 estrellas El Hijo TE
Cinta imprescindible
  27-02-2007
Redentora, de moral cristiana, que habla sobre el perdón y la reconciliación: todas son calificaciones y juicios reduccionistas que algunos críticos emplean para intentar asir una cinta tan insondable en su lenguaje. Porque su grandeza estriba en la complejidad y ambigüedad moral de cada uno de los personajes. Ya se veía en la premiada Rosetta: una chica de nobles sentimientos que es capaz de traicionar y dejar morir por la desesperación. En El Hijo se hallan semejantes contradicciones: ¿Quién es el culpable y la víctima en un crimen?, ¿El asesinato es sólo un signo de la ruindad humana?, ¿Se puede hacer un acto de amor por la persona que ha destruído tu vida? Son temáticas tan universales que me parece egoísta hablar con términos tan occidentales.
Para los Dardenne después de la oscuridad necesariamente hay una luz; pero aquella, sin duda, no es acabada como un dogma. Drama moral crudísimo, que no enjuicia e impacta por la brutalidad de las emociones contenidas. Espléndida cinta que da para pensar, reflexionar y debatir semanas. Muchos quedarán estupefactos con su gran final.
 
5 estrellas Vivir su Vida 14
Delicada transgresión
  28-06-2006
Es una de las realizaciones más delicadas dentro de la carrera del cineasta más rupturista de la cinematografía mundial. Como todos sus trabajos, es un film platónico, de gran racionalidad, incluso a veces se vuelve estadístico (recordemos la descripción del oficio que le da una prostituta a Nana). Por sus intertextualidades filosóficas, estéticas, literarias y cinéfilas, el cine de Godard es ostentosamente cerebral, incluso elitista, no obstante, en esta cinta hay algo más de eso. Aquí encontramos estilización visual: el blanco y negro de la fotografía, la utilización de las voces en fuera de campo, la cámara móvil que deambula y registra las calles y rincones parisinos y la forma de abordar el cuerpo y la gestualidad dramática de Nana, son un verdadero deleite. Es una poesía equilibrada con el vanguardismo e intelectualidad propia de Godard, pero sin caer en los excesos de Sin Aliento y Pierrot el loco. Recomendable para acercarse al cine de este realizador, o para revisar las influencias del cine latinoamericano de los años sesenta.
 
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