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Películas comentadas por NeoFargo

Estas son las películas comentadas por NeoFargo, ordenadas de acuerdo a las estrellas con que las clasificó, de más estrellas a menos.

	Donnie Darko (Edición Zona 1) ¹⁸ Obra Maestra Contemporanea 06-05-2006 Richard Kelly nos trae una película única en su especie, ese tipo de películas que sale cada 5 años, de las que a uno le llegan por su rareza o simplemente porque es brillante. Una estupenda película, muy bien escrita, que juega mucho con el humor negro, cuenta una gran historia de viajes por el tiempo y la adolescencia del ser humano, el amor, las emociones, las diferencias entre cada persona y de cómo uno debe apreciar la vida. Una dirección y una puesta en escena privilegiada que no muchas películas tienen. La música elegida para cada escena y la película en general es única y notable. Gyllenhaal da de todas maneras la mejor actuación de toda su carrera, todos los actores secundarios están perfectos y el final es de esos que llegan al fondo. Para todos aquellos cinéfilos amantes del cine bizarro esta película debe estar por obligación en nuestra mente, perdérsela es cagarse la vida para siempre, de verdad si pueden verla háganlo y no sólo 1 vez, sino que muchas. Una gran obra de arte del cine contemporáneo.

	Las Aventuras de Fluke ^TE Maravilla del Cine 06-04-2006 Es de esas películas que a uno le tocan el corazón de una manera que nunca van a olvidar, la vi cuando niño la primera vez y creo que hasta la fecha la habré visto ya unas 15 veces y siempre causa el mismo efecto en mí. De las pocas películas que puedo ver un millón de veces y llorar igual. Filmada maravillosamente, una hermosa historia, buenos personajes y una música simplemente fenomenal. Si tan sólo la tuvieran en DVD...

	Juegos Trampas y Dos Armas Humeantes ¹⁴ Hilarante 23-04-2006 Lock & Stock & Two Smoking Barrels es ágil, fresca y divertidísima (pero de verdad). Es una desternillante comedia negra (muy negra) y ultraviolenta en la que un personaje coral se sumerge en un terrible enredo de malentendidos hilarantes que no dejan al espectador parar de desternillarse un sólo segundo. El guión es un guión simple como pocos pero muy retorcido, muy bien desordenado y vuelto a ordenar y montado de forma excelente sin dejar cabos sueltos. Su humor, absolutamente desprejuiciado y a veces absurdo, se burla de la violencia más descarnada y vistosa conformando escenas de tremenda brutalidad y surrealismo que no pueden dejar de desatar las risas. Sus diálogos no son brillantes pero son rapidísimos y efectivos, y el montaje es efectista con comedimiento (digamos no agobiante). La gran película de Guy Ritchie es, por encima de todo, una bomba de diversión. Es cine comercial inteligente y 100 % competente. Por eso le hizo famoso. Para verla con muchos amigos en una de esas tardes de risas eternas.

	Looney Tunes de Vuelta a la Acción ^TE Qué buena película! 09-06-2006 Es una excelente película que rescata a la perfección a todos los personajes animados de siempre y que sabe exactamente cómo entretener al espectador, aportando humor de antaño, con humor para niños y mayores, humor del viejo y del nuevo fusionados, que resultan increíbles. A mí sinceramente me sorprendió, creí que no iba a entregar nada nuevo y que me iba a aburrir, ya que quizás se iba a apegar al tipo de animación de hoy en día, que es m***a. No fue así, una excelente película para amantes de los Looney Tunes, para toda la familia y más que chistosa, hemos vuelto a la vieja escuela y esperemos que salga una nueva próximamente con el mismo espíritu de esta. Genial.

	La Verdad Incómoda ^TE Poderosamente intrigante 10-11-2006 Necesario, urgente, aterrador, todos estos adjetivos se le pueden adosar sin problemas al documental An Inconvenient truth (La Verdad Incómoda), una visión de los datos acerca del problema del calentamiento global. Lo que muchos no se esperaban es que también se pudiera usar este otro adjetivo: entretenido. Al fin y al cabo, el filme se basa en una presentación (si bien es una presentación muy elaborada, con numerosos videos, proyecciones y demás ayudas para demostrar sus puntos) que el ex vicepresidente Al Gore da por todo el mundo. Uno tras otro, Gore se centra en los datos que demuestran que el calentamiento global existe (destruyendo el argumento de que es sólo una teoría), cómo está cambiando la naturaleza alrededor del mundo, y por qué los fenómenos meteorológicos se están volviendo cada día más extremos. Por otra parte, Gore también toca sobre cómo por conveniencia los gobiernos y la industria han decidido distorsionar los hallazgos. Es triste, extremadamente frustrante, y a la vez un poderoso llamado a la acción.

	El Descenso ¹⁴ De lo mejor en Terror en décadas 03-09-2006 Luego de realizar esa obra de culto llamada Dog Soldiers, que iba de unos militares que les tocaba el inigualable trabajo de ir a un bosque lleno de Hombres-Lobo, algo así como Depredador pero con lobos, Neil Marshall nos trae esta gran película que va de un grupo de amigas que se les ocurre explorar una caverna nunca antes visitada por el ser humano. Lo malo es que ya adentro se dan cuenta de la existencia de unas adorables criaturas sedientas de sangre y es ahí cuando hay qu preocuparse. Una gran película, un peliculón del terror, creo que hace años que no veía algo con lo que literalmente saltara de miedo, mucho tiempo esperé una peli como esta, hasta que me llegó y estoy agradecido de una manera importantísima a Marshall. Gran labor por parte del director, una excelente puesta en escena, un guión bien elaborado y una ambientación e iluminación perfecta. Notable la escena en la que la principal se queda atrapada en un pasaje, la sensación de claustrofobia es total. ¿Gore? Sí señor, hay mucha sangre, huesos rotos, cuellos mordidos, carne al aire, etc... Si pueden verla háganlo pero en la noche. Nada más que decir, sólo que si Marshall sigue así con sus pelis, su nombre estará entre los grandes del terror.

	Amor sin Barreras (Edición Zona 1) ¹⁴ Una gran película 04-10-2006 West Side Story es uno de los grandes musicales de la historia del cine y una de las mejores obras de su director, la cual co-dirigió con Jerome Robbins. Basado libremente en la obra de William Shakespeare Romeo y Julieta, narra la historia de amor entre dos jóvenes de bandas callejeras rivales, amor imposible debido a esta rivalidad que no es otra que un crudísimo conflicto racial entre norteamericanos e inmigrantes que el filme retrata a la perfección y con afilado ojo crítico. Ambas bandas sólo tienen algo en común: están formadas por chicos pobres y desarraigados que quieren dominar un barrio conflictivo que aparece representado como su cárcel en vida, como el único lugar al que pueden aspirar. Los norteamericanos, muchos hijos de inmigrantes de la Europa más pobre, desprecian a los latinoamericanos, que llegaron buscando oportunidades a la tierra de las oportunidades y que no encontraron sino marginación y trabajos basura. Los latinoamericanos también tienen su parte de culpa: responden al mundo con la violencia con la que se les ha tratado, pero no dejan de estar tan cegados en sus prejuicios como los que les maltratan. Un interesante personaje del filme, aparte de los protagonistas, es el del policía que les vigila a todos, que desprecia a los inmigrantes por ser inmigrantes y a los nativos por ser pobres, configurando uno de los caracteres de la cinta en los que más pesa la aguda crítica social que encierra. Todos los actores y bailarines están excelentes, y los números musicales, animados por la música del gran Leonard Berstein, son simplemente soberbios. El ambiente, a caballo entre la artificiosidad del estudio y el realismo de la calle está impreso en un color esplendoroso y que llena cada escena de un significado distinto, acompañando a la citada música al otorgar la emoción necesaria. La ambientación festiva de los inicios del filme poco a poco se va apagando para establecerse en un tono sombrío, triste, descorazonador, conforme la inevitable y sabida tragedia va a avanzando. Una película maravillosa, una obra comercial perfecta que además encierra un contenido brutal.

	Charada ¹⁴ Excelente Entretenimiento 24-09-2006 Una de las mejores películas que rodó Stanley Donen tras separarse de Gene Kelly fue sin ninguna duda este magistral thriller, Charada, que mezcla influencias del puro suspense estilo hitchcockiano (al que homenajea) con romance, comedia, acción y aventuras y con un reparto de grandes estrellas (Hepburn, Grant, Matthau, Coburn, Kennedy). Ambientada en una lujosa y evocadora París, con diálogos llenos de agilidad e ingenio, con un ritmo trepidante y elegante y grandes escenas de peligro, con una trama que no deja parar al espectador y que le pega a la silla durante las dos horas y con una compenetración extraordinaria y cargada de tensión sexual entre Hepburn y Grant, es todo un ejemplo de lo que debe ser el buen cine de entretenimiento: inteligente y divertido (requisitos que no cumplen ya ni la mitad de las películas que hoy nos trae Hollywood).

	Las Tortugas También Vuelan ¹⁴ Me llego muchisimo como persona 04-10-2006 Fue rodado en estilo casi documental y con actores reales, con niños mutilados de verdad que han vivido la guerra en sus propias carnes y que su director, el joven Bahman Ghobadi, una promesa para el cine de su país, dijo que eran viejos en cuerpos de niños. La guerra y la miseria se llevan por delante a quien sea, niños incluidos. Estremecedora de principio a fin, apenas existe crítica hacia la dictadura de Saddam o hacia la invasión Norteamericana. Los niños aparecen perdidos en un mundo que no comprenden pero en el que aprenden, a golpe de bastón, a desenvolverse para sobrevivir. Se centra toda la trama casi exclusivamente en las vivencias en los campos de refugiados, el único escenario del filme. Existen dos o tres escenas realmente duras de digerir que no menciono. Se advierte: puede ser uno de los filmes más deprimentes del año. Pero también uno de los más humanos.

	Ed Wood ¹⁴ Excelente, se pasó 23-04-2006 Basado en la vida del verdadero director de cine Ed Wood, considerado el peor realizador de toda la historia, Tim Burton realiza una comedia agridulce sobre el cruel mundo del celuloide y sobre unos entrañables personajes freaks que no encuentran su lugar en un ambiente hostil. Genial de principio a fin, confirmó esta película a Tim Burton como un director que no sólo sabía hacer filmes familiares con un toque gótico (Beetlejuice, Batman, El Joven Manostijeras, Batman Vuelve...) sino que era capaz de hacer un gran drama en toda regla como éste. Y no se pierdan a Martin Landau y a Johnny Depp. Simplemente soberbios.

	Seven: Los Siete Pecados Capitales ¹⁸ Seven Deadly Sins...Seven Ways To Die 23-04-2006 Dos detectives muy distintos se enfrentan a un asesino moralista (desde el punto de vista férreamente cristiano, eso sí) que cree que hace lo correcto (un favor a la sociedad) pero que se condena a su vez al ver que él también en un ser pérfido y pecador, como los que él tortura y asesina. Genial ambiente gris de lluvia y sangre, genial guión cargado de vueltas de tuerca ingeniosas como pocas, geniales diálogos, geniales perfiles psicológicos de todos los protagonistas, genial reparto (inolvidables todos), genial mensaje pesimista, geniales escenas de sadismo que pocos podrán aguantar y genial desenlace, inesperado y desolador como pocos. Una siniestra y genial fábula moderna, una tristísima y tremenda obra maestra.

	Metrópolis ¹⁴ Fundamental obra cinematografica 04-10-2006 En Metrópolis, obra clave del expresionismo alemán, Fritz Lang, por medio de una trama de ciencia ficción mil veces imitada en películas posteriores, arremete contra la Revolución Industrial y el capitalismo más agresivo e inhumano y se atreve a conjeturar la llegada de un futuro en el que las máquinas dominan al hombre. Si bien la obra, como tantas de su época, es maniquea y simplista a más no poder, presentado a unos obreros sufrientes como santos (la trama está llena de simbolismos religiosos emparentados con los cristianos) y a unos capitalistas la mayoría malvados hasta la médula, nadie puede negar que técnicamente es una película decisiva para la historia del cine. Sólo hay que mirar sus gloriosos escenarios futuristas (que hoy cualquiera los haría con un mal croma), sus efectos especiales, sus máquinas y sus robots, su iluminación onírica, su opresivo ambiente, sus multitudinarias escenas de acción. Ciertamente, sentó Metrópolis una escuela creadora y ayudó a desarrollarse al cine espectáculo que hoy conocemos.

	Vivir ^TE Kurosawa, magistral como siempre 04-10-2006 Siempre es recordado Akira Kurosawa por sus películas sobre samurais ambientadas en la Edad Media japonesa o en la Era Meiji, tales como Los Siete Samurais, Trono de sangre, Yojimbo o Ran. Es esta una de sus corrientes argumentales habituales. La otra es la del cine urbano de toques neorrealistas, crítico con la situación social de su momento y transmisor del mensaje humanista de Kurosawa, unas veces pesimista, otras optimista, como el de este filme: Vivir, una de sus más grandes obras maestras. En ella se hace una brutal crítica hacia el mundo de los funcionarios del duro Japón de la posguerra, hacia su estancamiento total en una forma de vida estática y parasitaria y hacia su irresponsabilidad total para con sus obligaciones. Junto a esta dura crítica, aparece la trama de mensaje humanista cuando uno de ellos, el Señor Watanabe (soberbio Takashi Shimura) decide enfrentarse al sistema y redimirse de toda una vida perdida de manera inconsciente y miserable. Es competencia del espectador juzgar si lo consigue o no tras el visionado. La aventura del funcionario que quiere luchar por los demás se convierte además, en manos de Kurosawa, en la historia épica de un héroe. No en vano se la ha calificado en ocasiones como la lucha de un samurai crecuspular moderno que sustituye sus armas blancas por la pluma y los papeles. Uno de los mejores dramas del cine japonés y de todos los tiempos. Un inolvidable canto a la vida.

	El Triunfo de la Voluntad ¹⁴ Uffff........un triunfo de verdad 04-10-2006 Alabado primero por unanimidad en todo el mundo y despreciado después, El triunfo de la voluntad es para muchos el mejor documental propagandístico de la historia. Con un título que hace referencia a Nietzche y con banda sonora de Wagner, retrata los hechos acontecidos en el congreso del Partido Nazi en Nuremberg el año anterior a su publicación. Es uno de los documentos audiovisuales más importantes de este siglo y el primero en el que aparece Hitler captado tan de cerca. Está compuesto para resaltar el culto a su personalidad, que simboliza al partido y a Alemania. Para ello, está estructurado alternando las imágenes de grandes masas en movimiento, emocionadas o enfervorizadas con las del líder y sus hombres cercanos lanzando sus discursos. Hay, además, otra corriente de imágenes alternadas: las de estas mencionadas grandes masas y las de la intimidad más delicada de estas propias masas o de sus líderes. Adolf Hitler simboliza al mesías que ha sacado a Alemania de la humillación sufrida y de la miseria y que va a hacer de ella un imperio destinado a perdurar miles de años. El filme, con todo lo horrible que oculta, maquilla y camufla y con todo lo que manipula, puede ser calificado como épico y, ciertamente, logra su propósito si no es examinado con detenimiento y ojo crítico: exaltar y conmover. No en vano, fue toda una revolución antes de que se conocieran todas las caras oscuras de los nazis. Leni Riefenstahl usa la cámara lenta, los teleobjetivos, las cámaras múltiples, realiza unas esplendorosas tomas aéreas de toda la ciudad y lo monta todo con gran imaginación, pulso y agilidad. El triunfo de la voluntad fue multipremiada en Francia, en Suecia y hasta en los USA, y elogiada por cineastas e intelectuales (el propio Chaplin entre ellos) mientras que se le auguró a su autora, que fue comparada con Eisenstein o con Capra, un futuro fulgurante. Más tarde, esta cinta y ella misma fueron despreciadas sin piedad. Reacción lógica tras lo ocurrido en Europa, por supuesto. Sin embargo, no por ello deja de ser una obra maestra. Hay que dejar de lado el mensaje político que contiene. Técnicamente, el cine no sería nada sin ella. Lo mismo ocurre con otros filmes maniqueos, de ideologías despreciables o propagandísticos como con El triunfo de la voluntad, no hay que dejar de verlos.

	Napoleón (1927) ^TE Una de aquellas que no pueden dejar pasar 04-10-2006 Es una de las obras maestras definitivas de Abel Gance y una de las grandes películas de la historia del cine, iniciada en 1923 y expuesta en 1927. Narra el gran periplo del general Bonaparte desde su infancia en las batallas de bolas de nieve de la escuela hasta la gloriosa Campaña de Italia, dejando de lado el período de su traición, su decadencia y su transformación en un monstruo temido y odiado en toda Europa, en parte porque, inicialmente, iba a ser la primera entrega de un gran proyecto compuesto por seis películas sobre el personaje que nunca se llegó a realizar. Con un fondo de verdadera adoración por el general, uno de los grandes ídolos de Gance, el filme es una epopeya gloriosa, exacerbadamente épica y poética, en la que todo cabe: grandes batallas abarrotadas de extras, momentos intimistas del héroe con su familia, amigos y amada; escenas de crudeza y violencia sin par en la época, crítica revisionista a momentos históricos pasados (aunque criticada por su supuestamente dudosa seriedad), momentos puramente oníricos y/o simbólicos, momentos de puro cine de aventuras. Pero si por algo destaca esta obra maestra que es Napoleón es sin ninguna duda por sus avances técnicos, de una originalidad, innovación e inventiva pocas veces imitadas: fue el primer ensayo de la llamada Polivisión (yuxtaposición de imágenes en acciones simultáneas), además de utilizar con maestría sin par recursos como sobreimpresiones, trucajes, transparencias, uso dramático del color, geniales primeros planos, cámara subjetiva, travellings aéreos, cámaras disparadas con un cañón, cámaras colocadas dentro de un péndulo, cámara en mano, montajes acelerados, iluminación con intenciones dramáticas. Da vida al gran general el genial Albert Dieudonné, que borda el papel como nadie podía haberlo hecho, secundado por un elenco simplemente soberbio y elegido con singular acierto (todos parecidos a los verdaderos personajes que interpretan). Imprescindible.

	Contra Viento y Marea (PAL Edición Zona 2) ¹⁸ Una grande de Lars Von Trier 06-10-2006 Contra Viento y Marea es la primera entrega de su trilogía de los corazones de oro. Lars Von Trier ya anticipa el movimiento Dogma en este filme: rodado con cámara en mano y en formato digital, está despojado de casi todo tipo de artificio para intentar captar la realidad en su más extrema desnudez. El Dogma quería lograr un cine auténtico, un fiel retrato del momento presente en su más íntima pureza (pasado mañana explicaré con más detenimiento este movimiento). Contra Viento y Marea ya consigue plenamente este fiel retrato; sin hacer concesiones de ningún tipo, mostrando sin tapujos naturalistas escenas de sexo y violencia, montada de forma abrupta y sustentada en planos cercanos para obtener el máximo dramatismo. La extravagante y apasionada historia de amor condicionado por la sociedad más puritana e intransigente de Bess y Jan (geniales Stellan Skarsgard y Emily Watson, sobre todo esta última en uno de los mejores papeles de su carrera) es junto a Los Idiotas y Dogville la obra magna de Lars Von Trier, una de las obras más líricas, crudas, viscerales y emocionantes de finales de los noventa.

	El Juego del Miedo ¹⁴ Espectacular 06-10-2006 El debut de James Wan en la dirección es un fabuloso thriller ambientado en una sala interior y en algunos pocos escenarios más que representan flashbacks sobre las vidas anteriores de los dos prisioneros y escenas detectivescas en las que se persigue al supuesto psicópata que tiene a ambos encerrados allí. Rodado con poco dinero, es todo un derroche de buen hacer y de originalidad, sobre todo teniendo en cuenta la pésima calidad que tienen la mayoría de los thrillers y filmes de terror comerciales de hoy, basados en historias tópicas de psicópatas y asesinos sin originalidad o en pueblos, mansiones y otros lugares malditos y cimentada su capacidad de sorprender casi exclusivamente en sustos fáciles provocados con calzador y carreras por interminables pasillos. SAW es una experiencia ciertamente terrorífica, angustiosa, morbosa, violenta y sádica (sádica como pocas). Desde el comienzo el espectador ya se haya sacudido en la butaca, y en algunos momentos de su desarrollo querrá de verdad cerrar los ojos. El desenlace, como se esperaba, es genial y oculta una gran sorpresa. Uno de los mejores thrillers del año 2004.

	Frankenstein (1931) / La Novia de Frankenstein (1935) ¹⁴ La Novia de Frankenstein 06-10-2006 Cuatro años después del gran éxito de El Doctor Frankenstein, James Whale retomaba su mito con La Novia de Frankenstein, una de esas segundas partes legendarias que superan o por lo menos igualan en calidad a la primera. En ella, el desdichado monstruo Frankenstein termina de desarrollarse psicológicamente en lo que es una continuación libre de la novela de Mary Shelley, conociendo la amistad correspondida (genial capítulo el del ciego del violín) y comprobando cómo le es arrebatada de mala manera por hombres ajenos a ella sólo por ser él un ser distinto (Whale introduce aquí metáforas sobre su homosexualidad, de nuevo, y sobre la figura proscrita de Jesucristo). Conoce, además, el lenguaje, y con él descubre lo que es y, ante su soledad, exige la creación de una mujer para que viva a su lado en la eternidad. Finalmente, decepcionado, lúcido en su amargura, decide actuar con una medida tajante y triste contra los propósitos del villano Doctor Pretorius (inolvidable Ernest Thesiger) y contra sí mismo, en lo que puede considerarse un acto de eutanasia (¿sería consciente Whale de lo que proponía en su momento con el desenlace de su historia?). Karloff vuelve a estar genial, con el mismo maquillaje de bestia moderna romántica/industrial ya perfeccionado por el presupuesto superior, que permitió unos escenarios más grandes, detallados y profundos, una ambientación que rizaba el rizo del onirismo de la primera entrega y unos efectos especiales fantásticos, sintetizados en los liliputienses de las botellas del Doctor Pretorius. Volvía también el ritmo frenético que condensaba en una hora escasa toda esta nueva historia sobre la vida y la muerte, sobre la marginación del diferente y sobre la ciencia usada sin control, e incluía nuevos toques como un humor negrísimo y macabro y un lirismo aún más sobrecogedor. Un punto extra además era la belleza sobrenatural y morbosa de Elsa Lanchester como la novia del monstruo, otro de los grandes diseños de la época y otro ícono básico del cine de terror de todos los tiempos. Digno es también de destacar el prólogo con el que comienza el filme, en el que Mary Shelley (también Elsa Manchester) y su esposo Percy B. Shelley junto a Lord Byron resumen la película anterior y disertan sobre el romanticismo de la historia del monstruo odiado por su mundo. Una segunda parte imprescindible y una de las mejores cintas de terror de todos los tiempos.

	Senderos de Gloria ¹⁴ Imperdible obra del Maestro 24-09-2006 Después de sorprender con la magistral y fulminante obra negra Casta de Malditos, Stanley Kubrick se lanzó a rodar la que para muchos (yo incluido) es su mejor película: Senderos de gloria, uno de los más bellos, desgarradores, comprometidos y polémicos alegatos antibelicistas y antimilitaristas de la historia del cine. En una época en la que no era nada fácil criticar ciertas ideas producto del inhumano sistema imperante, Kubrick no se cortó un pelo a la hora de denunciar las injusticias y las atrocidades de la guerra, el exaltado orgullo patriótico que oprimía al soldado inocente obligado a luchar y la soberbia y la hipocresía de los altos cargos de los ejércitos. Kirk Douglas encarna en el filme al mayor Dax, un hombre honorable que tiene que salvar del fusilamiento a tres soldados rasos que van a pagar con su vida la altanería de otro alto cargo y que, como era de esperar, se enfrenta a toda la jerarquía militar francesa que, asustada, abúlica o presa de un patriotismo mal entendido, le cierra todas las puertas de su camino. El desenlace de su horrible periplo, de pura antología, es uno de los más impactantes, crudos (y posteriormente tiernos) de toda la historia del séptimo arte. Kubrick rueda una película opresiva como pocas, que, en un brutal blanco y negro, se mueve en círculos entre infectas trincheras y deshumanizadas oficinas judiciales.

	If... ¹⁴ Perfecta 24-09-2006 En If, tal vez su película más violenta y escandalosa, Anderson arremete contra la enseñanza inglesa en todos sus estratos, satirizando las altas escuelas y sus jerarquías destinadas a hacer de sus alumnos hombres competitivos, de moral impoluta y fieles al Imperio Británico. Lirismo y surrealismo se mezclan en una de las obras más polémicas de la historia del cine que incluso llegó a ser acusada de apología directa de la violencia. Protagonizada además por el siempre terrorífico y ambiguo gran actor Malcolm McDowell (al que veríamos más tarde en La naranja mecánica, Calígula o Un hombre de suerte del propio Anderson). Una de las obras imprescindibles de la cinematografía británica, rebelde y descarada como pocas.