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Películas comentadas por lost zombie in lost highay (Ver comentarios de productos de lost zombie in lost highay [1])

Estas son las películas comentadas por lost zombie in lost highay, ordenadas de acuerdo a las estrellas con que las clasificó, de más estrellas a menos.

	Mystery Train (Edición Zona 1) ¹⁴ Un de las mejores películas de los 90. 05-09-2007 Jim Jarmusch a estas alturas es, sin duda alguna, uno de los mejores directores no sólo independientes sino de la historia de la cinematografía estadounidense (por no decir mundial). Muchos de sus filmes tratan de varias historias con un factor en común: si en Noches bajo la tierra todas las historias se desarrollaban en el interior de un taxi, en Mistery Train el escenario de todas las historias es la ciudad de Memphis y un hotelucho de mala muerte. En total son cuatro historias: una pareja de japoneses amantes de Elvis Presley, una joven que acaba de romper con su novio y se le aparece el fantasma de Elvis, otra mujer que transporta las cenizas de su difunto marido, y una pareja de bandidos que buscan refugio en dicho hotel. Mención aparte es el gerente del hotel y el botones, el cual tampoco dejan de tener un papel de relevancia. En dichas historias vemos de todo: Elvis, Rock and roll, melancolía, miedos, la estupidez humana (si no fíjense en el par de bandidos ya mencionados), café (al parecer el fetiche favorito del director, tal como se muestra en Coffee and cigarettes) y hasta fantasmas. En definitiva, una obra maestra del cine estadounidense de los últimos tiempos. Arriendo obligado.

	Coffee and Cigarrettes ^TE La vida es como un café y un cigarro juntos: hay que saborearla 05-09-2007 Jim Jarmusch una vez más da en el blanco (¿O café?) con esta película. Si bien sigue repitiendo la misma fórmula que en Mistery Train o Night on Earth, la gracia radica en la sencillez de las varias historias que presenta el filme, donde hay de todo, desde la absurda y hasta hilarante conversación entre dos italianos (en estos papeles me gusta Roberto Begnini), hasta la actuación de Bill Murray as himself. Son varias historias donde los diálogos contienen algo más que la carga cotidiana, una suerte de filosofía de la vida, donde nada más hay que sentarse y escuchar y reflexionar al lado de una taza de café y un cigarro a mano. Una película increiblemente sencilla pero de diálogos e imágenes sumamente fascinantes. Sin duda otra obra meastra de este genial director independiente. Arriende esta película apenas llegue, y contémplela al lado de una taza de café ¡No es broma, en serio!

	Perros de la Calle (Special Edition Zona 1) ¹⁸ Un orgasmo de violencia y humor negro 07-09-2007 La opera prima de Tarantino no sólo es un homenaje a la película Casta de Malditos de Stanley Kubrick, es un homenaje al viejo cine negro y policial de los 30 y 50. Seis sujetos son contratados para realizar un asalto a un banco, pero la cosa termina mal, tanto en el bando de los ladrones como en la policía, y los sobrevivientes ahora sospechan que entre ellos hay un traidor. Pero la gracia de esta película no es la historia en sí, una vez más Stanley Kubrick hizo lo mismo en Casta de malditos, sino en los ingeniosos diálogos o bien sus imágenes violentas (Ojo con la escena de la oreja), teñidas de humor negro. Junto con Pulp Fiction, Reservoir Dogs es la mejor película que hasta ahora ha hecho Tarantino. En cuanto a la edición de dos discos, contiene material para días (escenas borradas, comentarios, entrevistas, easter eggs etc). Una película tanto como su impecable edición imprescindibles en la videoteca de cualquier cinéfilo serio.

	Recuerdos Peligrosos ^TE Para liberarse de los prejuicios de la animación japonesa. 10-09-2007 Para quien piense que la animación japonesa es algo limitado a Dragon Ball Z, Sailor Moon, Macross, Robotech y todas las cosas que dan en el canal 11 o ETCTV, Memories les hará cambiar de parecer. Son tres historias hechas por un director diferente, en la cual abarca desde la ciencia ficción, drama, pasando por la comedia y lo bélico. En el primer cuento, la Rosa Magnética, un grupo de astronautas descubren una misteriosa nave fantasma en forma de rosa, el cual alberga el alma de una soprano (magistral actuación), y donde algunos de los tripulantes verán plasmados sus traumas. En la segunda historia, la bomba apestosa, un oficinista sin quererlo se convierte en una potente arma biológica sin control, el cual mata a todo ser vivo alrededor suyo. Y en la última historia, Cannon Fodder, dirigida por el director de Akira Katsuhiro Otomo, vemos desde la perspectiva de un niño una sociedad totalitaria que gira en torno a las armas. Son tres historias filmadas de diferente forma, donde se aprecian sus particularidades y maravillas. Es sin duda una lección magistral no sólo de animación sino también de cine. Arriendo obligado, en particular para los que quieren ver algo más que Walt Disney o que piensan que la animación es meramente Dragon Ball Z.

	Plan 9 del Espacio Exterior ^TE Tan mala que llega a ser buena 10-09-2007 Que es la peor película de todos los tiempos, no sé, ya que hay otros candidatos perfectos para arrebatarle el trono, como La casa de los muertos del director alemán Owe Bowl, pero de que es mala, es mala. Sin embargo, aún con todas las críticas, los problemas de producción, que su estrella principal, Bela Lugosi, unos días después del rodaje haya fallecido, Ed Wood continuó contra viento y marea la que para muchos es la peor película de todos los tiempos. Y tal como dijo un crítico por ahí, la importancia de esta película es que se hizo con las ganas, y por sobre todo con originalidad. Ed Wood por lo menos no tuvo que recurrir a un videojuego para dejarlo como chaleco de mono como el director alemán. Simplemente una lección de no sólo cómo no hay que hacer cine, sino también de que a pesar de todo, se necesita creatividad, y por sobre todo, ganas, pase lo que pase.

	Comando Perdido ¹⁴ Es algo más que una película bélica... 12-09-2007 Comando perdido no es la típica película bélica donde se muestra los típicos estereotipos de que un bando en sí es el bueno y los otros son malos, es de hecho una mirada ajustada y bastante crítica a la ocupación francesa de Argelia. Aquí Anthony Quinn interpreta a un oficial que vuelve derrotado después de la guerra de Indochina, y una vez en Francia es enviado de nuevo pero a Argelia a combatir a un grupo rebelde comandado por nada menos que un ex camarada suyo de Indiochina (sic), el cual se quiere vengar debido a la matanza de su familia completa. Tal como mencioné antes, Comando Perdido es una clara crítica al período en que Francia ocupó Argelia, donde vemos que Anthony Quinn hará todo por capturar a su ex camarada, aún cuando tenga que pasar encima de poblaciones civiles, siendo el único que se levante contra sus decisiones el oficial interpretado por Alain Delon. Incluso el final es por decirlo menos paradójico para una película de este género. Qué más puedo decir, es una visión más ajustada que otras películas sobre algo tan condenable como es la guerra.

	Inland Empire Edición Zona 1 (sin subtítulos) ¹⁸ Atractiva pesadilla surrealista digitalizada...¡Ah, y lo mejor del 2007! 31-12-2007 Lynch vuelve a la carga después de seis años de ausencia desde su obra maestra Mulholland Drive (2001), y de paso, junto con volver a trabajar con Laura Dern (Terciopelo Azul, Corazón salvaje), abandona los ocho milímetros y toma la camára digital para crear lo que sería una suerte de pesadilla surrealista donde la realidad se altera con la ficción, o mejor dicho con el cine. Laura Dern interpreta a Nikki, una actriz que tiene la suerte, o mejor dicho la mala suerte de ser contratada para una película que hace bastante tiempo fue dejada sin terminar debido a acontecimientos funestos. No obstante la verdadera pesadilla comienza cuando su entorno empieza a alterarse y....En fin, tal como una película de Lynch mejor trate de averiguarlo usted ya que con palabras creo que no podré. De hecho tal como dijo una vez el director el ser humano es un pequeño detective que siempre curiosea y trata de averiguar todo. Inland Empire es lejos una de las películas más originales de esta década, donde su gracia recae en el estilo de la narración y las imágenes ( que más si no de David Lynch). Para los fanáticos y fieles seguidores del James Dean de Marte, como una vez se le apodo, se maravillarán de encontrar varias referencias a sus películas y obras pasadas, como los conejos parlantes de su serie Rabbits, la cual solo se podía ver en su sitio Davidlycnh.com ( no obstante vaya a Youtube y ponga Rabbits David Lynch), o el escenario de la ciudad de Los Angeles, ciudad donde también filmo Mulholland Drive, pasando includo por su obra inédita por estos andares Sinfonía Industrial. Y a la vez es un relato donde la pesadilla y el horror reside hasta donde abarca lo que conocemos como realidad y comienza lo que se llama ficción y el puente entre ambos conceptos. Si no me cree ponga ojo a los conejos parlantes....Y sí, como una película de Lynch, es necesaria verla un par de veces más para comprenderla a cabalidad, o bien para confundirse más. Lynch, como Luis Buñuel, es un cineasta y artista que demuestra que con el paso de los años ha mejorado y que sus obras son más misteriosas y atractivas que nunca. Lejos la mejor película de este año y el mejor director extranjero de este año.

	Pack Maleta Blade Runner 5 Discos (Edición Zona 1) ¹⁴ Por fin una edición digna 21-03-2008 Antes que nada esta review es mayoritariamente sobre la ultraedición definitiva que sacó Warner Brothers junto con Ridley Scott, así que sobre la película solo me detendré en pocos detalles. Debido a que la primera edición del corte del director fue hecha a espaldas suyas, Ridley Scott no quedó para nada conforme por lo que decidió él mismo restaurar de nuevo su film y entonces el año 2000 se puso a manos a la obra y buscar todos los negativos existentes. Después de una labor ardua el resultado es esta magnifíca maleta, reproducción exacta de la misma que utiliza Deckard en la película. Esta edición perfecta de una película que en su momento fue tan incomprendida como un Brazil de Terry Gilliam o Cabeza borradora de David Lynch viene en 5 discos, los cuales inclyen 5 versiones de la misma película (¿?): la versión ahora sí definitiva del director, la versión original que se estrenó en cines en Estados Unidos, la que se estrenó a nivel mundial, la versión al principio mencionada y la versión que salió para video por primera vez...... Ufff, si mi memoria no me falla, esta versión es quizás la que más cortes posee (El amanecer de los muertos de Romero del año 78 posee tres versiones), incluso algunas con finales diferentes. Todo esto es un lujo para los fanáticos antiguos, una obligación para los más cinéfilos y a la vez una excelente introducción para los fanáticos más jóvenes. Además el segundo disco incluye el documental Dangerous Days que por cierto ESTÁ SUBTITULADO AL ESPAÑOL, de más de 3 horas el cual incluye todos los pormenores y sobretodo dificultades que tuvo el guión para ser filmado. Si bien este es el unico material subtitulado en español fuera de las distintas versiones de la película, los otros documentales merecen ser ojeados, en especial el que relata todo sobre Philip K. Dick, el autor de la novela original que inspiró este film. De hecho es tanto el material incluido (escenas cortadas, entrevistas, bocetos etc) que el espacio no me alcanzaría para describir cada uno. Mejor descúbralo por usted mismo. Y fuera de los DVD, esta edición incluye: una réplica en origami del unicornio de la última escena. Una réplica del auto volador, el Spinner. Una celda del film el cual se mueve (WOW!) Un portafolio con bocetos y dibujos de algunas escenas del film con sus explicaciones y anécdotas sabrosas. En fin, qué más puedo decir, una película de culto que a lo largo del tiempo fue cosechando una legión de fanáticos, por fin tiene una edición que realmente le haga honor. Sin duda una de las mejores ediciones ultraespeciales que he visto en mi vida, y a la vez una justificación para la existencia del DVD.

	Las Vacaciones del Señor Hulot (Edición Video Manquehue) ^TE El Chaplin francés. 07-06-2008 A estas alturas sería un crimen negar que Jacques Tati es el padre putativo de personajes como Mr Bean y otros que siguen las pautas de un personaje casi mudo que sin querer sólo realiza destrozos a su alrededor. Un humor simple pero que en su momento fue demasiado novedoso, quizás muy adelantado para su momento. La trilogía del mesier (sic) Hulot comienza con esta película donde el argumento es sencillo pero justo y necesario, donde Jacques Tati, quien tanto dirige como interpreta el papel principal, se va de vacaciones a la Riviera francesa y de ahí comienza por sí solo el espectáculo. Escenas memorables son el jukebox de la residencia, su intento de navegar en bote en la orilla de la playa o el funeral al cual asiste por accidente. En verdad no puedo decir más ya que la esencia de esta película radica en las expresiones y acciones del protagonista, por decirlo de una manera es una variación del humor de Chaplin. En cuanto a la edición de Video Manquehue si bien en los primeros dialógos se aprecian algunos signos raros, la traducción es impecable y, cosa rara para una película editada por esta compañía, la edición incluye como bonos algunas imagenes de posters de la película, sin contar que está impresa en un DVD de doble capa (la gran mayoría que las películas que edita Video Manquehue están en un DVD simple de 4,7 gigas). Edición aceptable para una de las mejores comedias de todos los tiempos. Larga vida a Tati.

	Brazil ¹⁸ ¿Bienvenido al futuro? ¡No, gracias! 09-09-2007 Después de su paso por el grupo inglés Monty Python, Terry Gilliam probó suerte como director en Hollywood con películas como Los ladrones del tiempo, El Barón Munchausen, y después Brazil. Brazil nos cuenta la historia de Sam Lowry (Jonathan Pryce), un eficiente oficinista sofocado en una sociedad tecnócrata y burócrata a más no poder, y su insoportable madre, que además de tener una afición por verse joven que llega incluso a lo más insospechado, quiere que su retoño ascienda de trabajo, aún en contra de la voluntad de su hijo. Y para escapar de esta realidad digna de una pesadilla, se refugia en sus sueños donde vuela lejos de la repugnante sociedad (las secuencias oníricas son bellísimas). Gilliam hizo Brasil a partir de un pueblo portuario inglés totalmente industrializado y contaminado, y se nota en la estética, un auténtico logro de la historia del cine (¡Y sin computadoras!). Por otra parte, Michael Palin, también ex Monty Python hace un buen papel como el amigo torturador de Sam, o Robert de Niro como el gásfiter ilegal que ayuda a Sam. Brazil es, sin duda, una película de ciencia ficción con visión irreverente y a la vez apocalíptica de un futuro totalitario, donde el hombre pierde su importancia como individuo y pasa a ser un engranaje más del sistema, y al mismo tiempo todo un logro en la historia del cine y un perfecto heredero del legado de Fritz Lang y su cautivadora y profunda Metrópolis. Una de las películas de ciencia ficción más profundas y críticas que hay. Para terminar, la edición que sacó ETV video incluye un documental Qué es Brazil, el cual está subtitulado. Véalo después de la película y es muy probable que se le aclaren algunas dudas. Qué arriendo, compra obligada. Grande Gilliam.

	El Hombre del Brazo de Oro ¹⁴ Frank Sinatra no sólo cantaba... 15-09-2007 Si usted sólo cree o estaba chato de que Frank Sinatra cantase y zapatease, vea El hombre del brazo de oro y se dará cuenta que es lejos una de las mejores actuaciones del desaparecido actor y cantante. Sinatra interpreta a un drogadicto que acaba de salir de la cárcel rehabilitado que lucha por ganarse la vida en forma honrada como baterista, pero todavía es tentado por aquellos narcotraficantes que lo hundieron en lo más bajo, y por otro lado su esposa que simula ante los ojos de él estar incapacitada para caminar con tal de seguir dependiendo económicamente. La película es una mirada ajustada y real sobre los problemas de la drogadicción y los serios obstáculos que hay entre ésta y la rehabilitación. De hecho Frank se manda uno de los papeles de su vida con este baterista que es asediado por los fantasmas de la droga que lo mandaron a la cárcel. Una película soberbia y aún actual y profunda por su trama y contenido. Arriendo obligado.

	El Arca Rusa ^TE La mejor película del 2004 y punto. 12-09-2007 El arca rusa es el perfecto ejemplo de que técnica, creatividad y contenido pueden ir de la mano en una película. Tal como se dijo antes, una de las maravillas de la película es que es una sola toma de 90 minutos continua (de hecho es hasta ahora la toma más larga de toda la historia del cine), donde dos personajes, un francés que corresponde al personaje histórico de Marquis de Custine que fue visitante frecuente de Rusia, y una voz en off que corresponde a alguien de nuestros días, exploran el Museo del Ermitage, donde cada salón representa a un personaje histórico de Rusia, pasando por la Emperatriz Catalina la Grande hasta la nobleza en tiempos previos a la revolución rusa. Tal como se dijo, a nivel técnico es uno de los mayores logros del cine, donde la escena final consiste en una orquesta conjunta tocando. Personalmente una de las escemas más majestuosas que he visto en toda la historia del cine. Y a la vez una perfecta lección de historia de dicho país, si bien sólo llega hasta antes de la Revolución Rusa (aunque extrañamente mencionan algunos hechos acontecidos en la Primera Guerra Mundial) ¿Será una especie de nostalgia por la vieja Rusia antes del levantamiento de los bolcheviques? ¿Influencia acaso de los otros padres del cine ruso como Tarkovsky? El arca rusa es lejos una de las mejores películas de todos los tiempos. Es más ¿Por qué Steven Jay Schneider no incluyó está película en su libro 1001 películas que hay que ver antes de morir? Es una obra que merece ser recordada por la eternidad y atesorada por cualquier cinéfilo que se haga así llamar.

	Repulsión ¹⁸ Repulsivamente buena 13-09-2007 Roman Polansky dio el salto a la fama con la que sería su primera película hablada en inglés, una obra magistral y clásico del terror psicológico, y por qué no, padre putativo de la opera primera de David Lynch, Eraserhead. Catherine Deneuve interpretá a una aparente mujer independiente que trabaja en un salón de belleza y comparte con su hermana el departamento. Si bien a primera vista parece el prototipo de mujer independiente, en la vida real es víctima de los abusivos piropos de los transeúntes, y para colmos el novio de su hermana utiliza hasta su propio baño, sin contar el pato asado que deja en el refrigerador el cual más parece un feto de animal (¿De ahí habrá sacado David Lynch su anormal feto de su primera película?). Pero la verdadera pesadilla de esta pobre mujer comienza cuando sufre alucinaciones de ser abusada y violada por un hombre adulto, probablemente debido a un trauma que sufrió en la infancia (en la película no explican el origen de dichas alucinaciones), y debido a esto se comportará en forma extraña con el mundo que lo rodea, pasando de víctima a victimario. Fuera de las actuaciones que son excelentes, Roman Polanski hizo un trabajo excelente con los juegos de camára, gracias al excelente trabajo del encargado de fotografía Gil Taylor, que por si no se les hace conocido también fue quien se encargó de las camáras en otras películas como Star Wars, el Doctor Insólito de Stanley Kubrick o A hard day's night. De hecho los productores al principio no querían contratar a Gil ya que consideraban que sus honorarios eran muy caros, pero Polanski los convenció de contratarlo. Es más, el comienzo de la película, la toma del ojo es un homenaje a la escena del ojo rasgado de la película Un perro andaluz de Luis Buñuel. Y la música es definitivamente otro apartado. El jazzista Chico Hamilton logró una suerte de jazz depresivo y hasta claustrofóbico que acompaña perfectamente a la película, e incluso llega a ser tan imprescindible como un Star wars sin su tema principal compuesto por John Williams. Repulsion es sin duda una de las mejores películas que ha filmado Roman Polansky y una clase magistral del terror psicológico. Un clásico indiscutible.

	Muertos de Risa ¹⁴ Un drama que termina en un chiste 05-09-2007 Después de filmar la genial La Comunidad, Alex de la Iglesia vuelve a la carga en una suerte de drama disfrazado de thriller cargado de humor negro y absurdo digno de un capítulo de Los Simpsons o incluso de Ren y Stimpy. Nino y Bruno son dos comediantes de a finales del duro franquismo, el cual se ganan la vida, y más tarde la fama, a base del sketch del cachetazo limpio al más gordo. Y es ahí donde empieza el drama (¿o mejor dicho la comedia?), ya que al igual que muchos dúos artísticos de la vida real, surgen las asperezas y envidias a causa de la fama. Qué se puede decir de esta película, si bien a alguna personas no les gustó para nada o bien la consideran demasiado trágica, aún no me termino de preguntar si es en verdad una sátira a la vida de los artistas o bien simplemente una oda a la estupidez humana digna de una caricatura (a ratos pensaba que estaba viendo a Ren y Stimpy personificados en carne y hueso). Lo que sí está claro es que este humilde espectador salió del cine, al igual que otros comentaristas, con el estómago a más no doler de la risa. Es simplemente una de las mejores películas de humor negro que he visto en mi vida (para otros no, eso está claro). Si usted anda con la depresión o simplemente tuvo un mal día, Bruno y Nino simplemente lo harán morirse de la risa. Una de las mejores películas de Alex de la Iglesia. Para terminar, ojo con el cameo de Bigote Arrocet y con el video musical incluido en la estupenda edición en DVD que sacó la compañía chilena TVE transvideo, el cual iincluso contiene un Making off ¡Simplemente imperdible!

	El Planeta de los Simios ¹⁴ Una obra maestra de la ciencia ficción 08-09-2007 Se podría decir que El Planeta de los simios es, junto con La noche de los muertos vivientes de George Romero, una de las películas que más impacto ha causado, no sólo por su mensaje apocalíptico, sino por el momento en que se estrenó, en pleno clímax de la Guerra de Vietnam y los problemas sociales que venía pasando los Estados Unidos ¿Es acaso un visión acertada de adonde vamos como sociedad? Charlton Heston aquí encarna a un astronauta que junto con su grupo caen en un planeta lejano a nuestro sistema solar pero bastante parecido al nuestro, incluso con humanos, sólo con la diferencia que la raza avanzada son los simios, lo cual da para metáforas de nuestro comportamiento destructivo sobre la flora y fauna. Si usted aún no la ha visto, arriéndela de inmediato.

	Carnival of Souls (Edición Criterion Zona 1) ¹⁴ La película que se niega a morir 10-04-2011 No es secreto a voces, hay un buen puñado de joyas en celuloide que estuvieron a punto de ser condenadas al olvido por una pésima campaña o distribución como en La noche del cazador de Charls Laughton o en el caso de El Carnaval de las almas, que al igual que La noche...fue la única película comercial de Herk Harvey, una epecie de experimento cinematográfico llevado a cabo durante las vacaciones del director. Quizás el director no estuvo consciente del engendro que estaba fabricando o bien se dieron todas las condiciones en el momento justo y exacto para concebirla (presupuesto digno del cine B, actores desconocido, escenarios naturales). Carnaval originalmente era el término que se ocupaba para las festividades que marcaban el inicio de la Cuaresma, de hecho viene del latín carne (no es necesario explicar) y levare, quitar, es decir quitar a la carne, adiós al cuerpo, tal como los fantasmas que acechan a la protagonista, la única sobreviviente de un accidente automovilístico; los fantasmas que vienen a llevarse el alma y separarla de su carne o cuerpo. Herk tomó el típico guión trillado de fantasmas pero lo filmó con un espectacular juego de paisajes y luces (la escena de baile en el parque de diversiones es lejos una de las más logradas y aterradoras de la historia del cine, los fanáticos del juego Silent hill quizás encuentren reminiscencias en dicha escena) y de sombras, un claro homenaje al cine expresionsita alemán, todo esto acompañado por la atomsférica e igualmente fantasmal música de órgano de Gene Moore. El Carnaval de las Almas es una pesadilla fantasmal que estuvo muy avanzada a su tiempo y que se alejó de las convenciones del cine B para convertirse en una especie de experimento cinematográfico en su tiempo para después convertirse en un referente a seguir en el futuro y fuente de inspiración incluso en otro ámbitos como en los videojuegos (tal como dijo Prozaxcillo, es probable que los fanáticos del juego Silent hill encuentren varias reminiscencias como en la escena del baile).

	La Comunidad (Edición Zona 1) ¹⁸ Muertos vivientes 01-11-2009 El dinero es la raíz de todos los males o la ambición rompe el saco, así se podría definir con estas dos frases esta película de Alex de la Iglesia que por cierto aquí llegó bastante atrasada en su momento. Carmen Maura en uno de sus mejores papeles interpreta a una inescrupulosa corredora de propiedades la cual descubre que en uno de los edificios donde trabaja yace un difunto que se llevó a la tumba el secreto de la localización de su dinero, pero ella no es la única, los inquilinos también están al tanto del inmenso tesoro y la historia se convierte en un relato de sobrevevivencia, una suerte de solo contra el mundo o mejor dicho sola contra los vecinos. Aquí el director no sólo homenajea a Hitchcock, se ve en está película una quizás vaga pero a la larga notable influencia de las películas de George Romero, específicamente a la Noche de los muertos vivientes y El amanecer de los muertos vivientes, en particular la escena final (sin contar las referencias a George Lucas por parte del freak de La Guerra de las Galaxias). O más que influencia, quizás un retrato de lo que a la larga es la comunidad, una suerte de muertos vivos comecarne al acecho de su victima, sin considerar a su prójimo. Dejando de lado estos homenajes, Alex de la Iglesia cumlpe en forma cabal un relato cargado de suspenso y hasta terror, una historia donde la protagonista no es necesariamente la encarnación de todos las virtudes (de hecho es prácticamente igual de ambiciosa que los demás vecinos). Con respecto a la edición de zona 1, los bonos son pocos pero excelentes: un making off nada despreciable, pero la guinda es sin duda Mirindas asesinas, uno de los primeros trabajos del director. Excelente película en una edición bastante buena. Muy recomendable.

	Viridiana (Edición Criterion Zona 1) ¹⁴ La caridad superficial bajo la lupa de Buñuel 16-05-2008 Viridiana se podría decir ante todo que le abrió las puertas a la fama internacional a Buñuel ya que gracias a ella el director obtuvo la Palma de Oro en Cannes a la mejor película, y a la vez el objeto de todas las maldiciones debido a una estupidez de cierto sacerdote del diaro Il obesrvattore el cual calificó a Viridiana como una película blasfema. Resultado, junto con ser prohibida por un buen tiempo en España Viridiana su director nunca más pudo volver a su tierra natal. Una espada de doble filo. Esta, que es una de las obras maestras del director, es una ensalada bizarra que mezcla melodrama con ciertos toques de erotismo y a la vez una comedia negra donde para variar Buñuel se mofa de los valores cristianos y en este caso es la caridad. Viridiana (Silva Pinal en sus buenos tiempos) es una postlante a monja pero de un día para otro es llamado por su tío rico (Alejandro Rey, él cual volvería a aparecer en el Discreto Encanto de la Burguesía y Ese obsuro objeto del deseo), el cual tiene un interés que llega a la pederastia con su sobrina, y al volver a la parcela de su tío, ella verá que tendra que permanecer con su osado tío a la fuerza, y como resultado se convertirá en la heredera de su fortuna la cual destinará a ayudar a los pobres en orden de seguir su vocación de religiosa. Sin ahondar más en detalles la película tal como mencione, es en este punto donde Buñuel se mofa de algunos valores como la caridad. Es probable que el Padre Hurtado le hubiese dado un síncope al ver esta película. Viridiana es probablemente las bases de la comedia negra surrealista que más tarde Buñuel volvió a utilizar con igual efectividad por lo menos en El discreto encanto y El fantasma de la libertad (estas últimas también editadas por la firma estadounidense Criterion), es una obra por decirlo suave, osada para su tiempo sin caer en el erotismo excesivo y también una aguda crítica y a la vez sátira de la sociedad española de esos tiempos (los mendigos que aparecen en esa película son de verdad). En cuanto a la edición de Criterion, los bonos son simplemente increíbles: una entrevista exclusiva a la actriz Silvia Pinal quien cuenta detalles y anecdotas sabrosas del filme así como las dificultades que tuvo la película cuando fue prohibida en España (por si acaso está en español la entrevista), un extracto a una entrevista a Buñuel de un programa francés y un par de cosillas más. Y por cierto, la película está en su idioma original o sea ESPAÑOL. En suma ¿Vale la pena gastar las más de 20 lucrecias que cuesta este DVD? Los DVD de la compañía Criterion a estas alturas del año son indiscutiblemente los mejores del mercado no solo por la calidad de la película, los bonos y la preocupación por la edición hacen que el precio sea sino adquisible por lo menos justificado. En fin, una de las mejores películas de la historia en una edición que le hace justicia en comparación a CIERTAS empresas nacionales como Manquehue.

	M, el Vampiro de Düsseldorf ¹⁴ Una profunda mirada social de su momento 29-06-2009 Prohibida por los nazis dos años después de su estreno, la opera prima sonora de Fritz Lang, basada en los numerosos crímenes del sanguinario y sádico Peter Kunt, también es considerada una serte de radiografía a la sociedad alemana nazi que se venía en ese momento. M es una de las cumbres del cine negro, aliñado con un clima de paranoia, oscuridad y mirada social de la Alemania de a fines de la década del 20. Peter Lorre, más que encarnar al asesino, encarna a un hombre sin remedio ni cura que se ve obligado a asesinar, y que más que parecer el monstruo, es a la larga el perseguido tanto por policias como el hampa misma. Memorable es la última escena del juicio, quizás una mirada punzante de la sociedad actual. Con respecto a la edición disponible en Bazuca, para variar los detestables subtítulos en portuñol arruinan esta obra maestra, así que mi consejo, traten de conseguirse la edición que sacaron en España de dos discos ya que viene con un excelente documental del director, o bien la edición de dos discos de Criterion de zona 1 cargada con bonos...pero sin subtítulos en español, lo cual auyentará a muchos porbablemente.

	El Sacrificio: Edición de Coleccionista (PAL Edición Zona 2) ¹⁴ Mezcle un cuarto de Bergman con una taza de Tarkovsky 03-01-2009 Que duda cabe: una de las dudas existenciales de Tarkovsky era la religión junto con la fe, temas que trató, por lo menos, desde Andrei Rublev. De hecho El sacrificio, su legado fílmico, contiene una que otra referencia a dicha película pero su última obra va más allá, es un ensayo sobre la desesperación de un hombre que ve en una guerra a gran escala el apocalipsis que acabará con todo, desde el mundo hasta su alrededor y seres que ama, y tal Abraham de la biblia, jura sacrificar todo lo que tiene con tal de que nuestro planeta se salve. El Sacrificio en cuanto a contenido es una mirada a nuestras creencias y la fe que tenemos en ella, es una especie de retiro espiritual donde examinamos nuestro grado de creencia y confianza en nuestros credos (no por algo el escenario de la película es sólo un par de casas en medio del campo), pero al mismo tiempo un legado que Tarkovsky quería dejar a su hijo (¿Alguna similitud con el niño que aparece? Quizás), el cual solo pudo ver momentos antes de morir de cancér debido a que nunca más pudo volver a su país natal (recordemos que Andrei Rublev fue prohibida en la Unión Soviética y por ende el director desde ese entonces no pudo regresar). Es más, El Sacrificio no es una película que trata netamente sobre la religión, es una suerte de nostalgia de Tarkovsky hacia su tierra natal (eligió el lugar donde se filmó debido a la semejanza con su región natal). Si hablamos de paisajes, esta película es de un estilo claramente influenciado por Bergman, no por algo Tarkovsky no solo admiraba a dicho director sueco, también empleó muchos actores bergmanianos (entre comillas) en sus últimas obras como en Nostalgia. Pero a diferencia de Bergman, Tarkovsky optó por muchas tomas lejanas y largas donde en forma indiscutida los dialógos y los paisajes son los pilares, en resumida cuenta la fotografía es magnifíca. En cuanto a detalles técnicos sobre está edición por parte de Cameo, es simplemente digna de Criterion: dos discos de bonos con documentales y hasta una entrevista al protagonista, todo subtitulado por supuesto (de hecho solo he visto dicha entrevista por falta de tiempo) y el libro incluido es más que complementario, una adición obligada para toda biblioteca cinéfila. El sacrificio es más que un legado, es una reflexión sobre la religión, una mirada nostálgica y una muestra maravillosa de fotografía que obliga a pensar sobre la fragilidad del mundo ante un orden mundial que se rige cada vez más sobre la fuerza de las armas y la tecnología. Descanza en paz Tarkovsky.