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Películas comentadas por lost zombie in lost highay (Ver comentarios de productos de lost zombie in lost highay [1])

Estas son las películas comentadas por lost zombie in lost highay, ordenadas de acuerdo a las estrellas con que las clasificó, de más estrellas a menos.

	El Planeta de los Simios ¹⁴ Una obra maestra de la ciencia ficción 08-09-2007 Se podría decir que El Planeta de los simios es, junto con La noche de los muertos vivientes de George Romero, una de las películas que más impacto ha causado, no sólo por su mensaje apocalíptico, sino por el momento en que se estrenó, en pleno clímax de la Guerra de Vietnam y los problemas sociales que venía pasando los Estados Unidos ¿Es acaso un visión acertada de adonde vamos como sociedad? Charlton Heston aquí encarna a un astronauta que junto con su grupo caen en un planeta lejano a nuestro sistema solar pero bastante parecido al nuestro, incluso con humanos, sólo con la diferencia que la raza avanzada son los simios, lo cual da para metáforas de nuestro comportamiento destructivo sobre la flora y fauna. Si usted aún no la ha visto, arriéndela de inmediato.

	Carnival of Souls (Edición Criterion Zona 1) ¹⁴ La película que se niega a morir 10-04-2011 No es secreto a voces, hay un buen puñado de joyas en celuloide que estuvieron a punto de ser condenadas al olvido por una pésima campaña o distribución como en La noche del cazador de Charls Laughton o en el caso de El Carnaval de las almas, que al igual que La noche...fue la única película comercial de Herk Harvey, una epecie de experimento cinematográfico llevado a cabo durante las vacaciones del director. Quizás el director no estuvo consciente del engendro que estaba fabricando o bien se dieron todas las condiciones en el momento justo y exacto para concebirla (presupuesto digno del cine B, actores desconocido, escenarios naturales). Carnaval originalmente era el término que se ocupaba para las festividades que marcaban el inicio de la Cuaresma, de hecho viene del latín carne (no es necesario explicar) y levare, quitar, es decir quitar a la carne, adiós al cuerpo, tal como los fantasmas que acechan a la protagonista, la única sobreviviente de un accidente automovilístico; los fantasmas que vienen a llevarse el alma y separarla de su carne o cuerpo. Herk tomó el típico guión trillado de fantasmas pero lo filmó con un espectacular juego de paisajes y luces (la escena de baile en el parque de diversiones es lejos una de las más logradas y aterradoras de la historia del cine, los fanáticos del juego Silent hill quizás encuentren reminiscencias en dicha escena) y de sombras, un claro homenaje al cine expresionsita alemán, todo esto acompañado por la atomsférica e igualmente fantasmal música de órgano de Gene Moore. El Carnaval de las Almas es una pesadilla fantasmal que estuvo muy avanzada a su tiempo y que se alejó de las convenciones del cine B para convertirse en una especie de experimento cinematográfico en su tiempo para después convertirse en un referente a seguir en el futuro y fuente de inspiración incluso en otro ámbitos como en los videojuegos (tal como dijo Prozaxcillo, es probable que los fanáticos del juego Silent hill encuentren varias reminiscencias como en la escena del baile).

	Brazil ¹⁸ ¿Bienvenido al futuro? ¡No, gracias! 09-09-2007 Después de su paso por el grupo inglés Monty Python, Terry Gilliam probó suerte como director en Hollywood con películas como Los ladrones del tiempo, El Barón Munchausen, y después Brazil. Brazil nos cuenta la historia de Sam Lowry (Jonathan Pryce), un eficiente oficinista sofocado en una sociedad tecnócrata y burócrata a más no poder, y su insoportable madre, que además de tener una afición por verse joven que llega incluso a lo más insospechado, quiere que su retoño ascienda de trabajo, aún en contra de la voluntad de su hijo. Y para escapar de esta realidad digna de una pesadilla, se refugia en sus sueños donde vuela lejos de la repugnante sociedad (las secuencias oníricas son bellísimas). Gilliam hizo Brasil a partir de un pueblo portuario inglés totalmente industrializado y contaminado, y se nota en la estética, un auténtico logro de la historia del cine (¡Y sin computadoras!). Por otra parte, Michael Palin, también ex Monty Python hace un buen papel como el amigo torturador de Sam, o Robert de Niro como el gásfiter ilegal que ayuda a Sam. Brazil es, sin duda, una película de ciencia ficción con visión irreverente y a la vez apocalíptica de un futuro totalitario, donde el hombre pierde su importancia como individuo y pasa a ser un engranaje más del sistema, y al mismo tiempo todo un logro en la historia del cine y un perfecto heredero del legado de Fritz Lang y su cautivadora y profunda Metrópolis. Una de las películas de ciencia ficción más profundas y críticas que hay. Para terminar, la edición que sacó ETV video incluye un documental Qué es Brazil, el cual está subtitulado. Véalo después de la película y es muy probable que se le aclaren algunas dudas. Qué arriendo, compra obligada. Grande Gilliam.

	Heavy Metal: La Película ¹⁴ Un logro de la animación que no volverá a repetirse 10-09-2007 Basada en algunas historias cortas de la difunta revista de comics underground del mismo nombre, Heavy Metal es un espectáculo de animación en una época donde no habían computadoras, la animación japonesa era desconocida, Walt Disney dominaba, y por sobre todo donde hacer una peícula de animación para adultos era una aventura poco menos que dirigida al fracaso (aunque Ralph Bakshi demostró todo lo contrario con su opera prima El gato Fritz). Asistimos a varias historias que tienen un punto en común con una esfera verde que es en verdad el ente que encarna a la maldad misma, el cual trasciende todo lo que es espacio y tiempo. Además, la banda sonora es magistral, con temas de Devo, Black Sabbath y otros grupos de pop y heavy metal. Heavy Metal es una película de culto que merece una noche entera para disfrutarla, aún cuando se nota un poco los años encima, pero por sobre todo, una joya de la animación para adultos estadounidense de una época donde habían animadores que se atrevían a realizar algo diferente en el campo de los dibujos animado, y que nunca más se volvera a repetir. En fin, nostalgia.

	El Despertar de los Muertos ¹⁴ La mejor comedia británica desde hace años 12-09-2007 Sin reemplazar a las películas hechas por los Monty Python o su serie, El despertar de los muertos, la primera película del director Edgar Wright, es lejos una de las mejores comedias británicas que desde hace años no se ve (sic), y además un merecido homenaje a las películas de zombies creadas por Romero y otros directores (hay una tienda que se llama Fulci, en honor al director italiano Lucio Fulci). De hecho el nombre original, Shaun of the dead, es una parodia a la segunda película de la tetralogía de los muertos de Romero, El amanecer de los muertos (en inglés Dawn of the dead). Shaun, interpretado por Simon Pegg (que por cierto también fue el guionista), es un tipo normal al que lamentablemente todo le sale para atrás: pasa todos los días a regañadientes de su novia en su bar favorito, no se comunica con su madre, en lo laboral hasta sus subalternos le faltan el respeto, y para colmo termina con su novia. Y cuando decide poner en orden su vida, tiene la mala suerte de que los muertos están resucitando. La película tiene muchos detalles que la hacen brillar por sí sola, desde los diálogos que son geniales, hasta los efectos especiales que nada desmerecen a los ya vistos en el Remake de El amanecer de los muertos (ojo con la escena cuando los zombies se meriendan a uno de los amigos de Shaun en el bar, un claro homenaje al Día de los muertos de Romero). Es decir fue hecha con inteligencia y por sobre todo ganas. Y por otro lado, el DVD que se lanzó en zona 4 ¡Es sencillamente fabuloso! Contiene todos los bonos del DVD de zona 1 ¡E incluso el diseño y los menús animados son los mismos! Y para colmo, hasta los comentarios del director están subtitulados ¡Así da gusto ver estas ediciones! De hecho después de ver la película, vayan de inmediato a la sección hoyos en el guión, lo cual le aclarara varias dudas en el caso que le hayan quedado. Sin duda una de las mejores ediciones que he visto en zona 4. Lejos una de las mejores comedias de estos últimos tiempos. 100% recomendable para los fanáticos de las películas de horror y Romero, y por qué no, para los cinéfilos que buscan algo distinto.

	Mal Gusto ¹⁸ El lado B de Peter Jackson. 12-09-2007 Muchos años antes de filmar superproducciones y darle el gusto a Holywood, Peter Jackson filmaba en su Nueva Zelandia natal películas de bajo presupuesto, pero con ganas, donde el gore y las tripas con olor a efecto especial barato abundaban. Y Mal gusto es precisamente su opera prima, la cual fue filmada con el vuelto del pan y entre amigos y hasta los familiares de sus amigos. Incluso el argumento es digno de una película de Ed Wood: los extraterrestes han llegado a un pueblo (el cual es donde nació el director en la vida real) y han desmenuzado a todos sus habitantes con el objetivo de conseguir carne para una cadena de comida rápida espacial. Y es aquí donde entran Los chicos, un grupo militar secreto especial...Si se le puede llamar especial a tres tipos, dos de ellos en un auto viejo con la guantera llena de AK 47 y un bazooka, y un científico desquiciado armado con una UZI y una motosierra que tortura al borde de un barranco a uno de los aliens, y ojo que los dos últimos papeles son interpetados por el mismo director (!!). Pero la gracia de la película no son sólo los efectos especiales caseros a más no poder, sino que la hicieron sin ganas de presumir, más bien de mostrar que no hace falta seriedad a la hora de filmar algo, que sólo bastan las ganas. Y que las ovejas no están solo de adorno en la película (es probable que haya leído eso). Mal gusto es una película no sólo recomendable para los fanáticos de las películas de horror y los adeptos del legendario programa televisivo Maldita Sea, es también una clara muestra e incluso sin llegar lejos nostálgica de lo que era antes Peter Jackson. Ideal también para mostrar a los que quedaron encantados con El señor de los anillos para que vean qué cosas hacía antes el caballero.

	Inland Empire Edición Zona 1 (sin subtítulos) ¹⁸ Atractiva pesadilla surrealista digitalizada...¡Ah, y lo mejor del 2007! 31-12-2007 Lynch vuelve a la carga después de seis años de ausencia desde su obra maestra Mulholland Drive (2001), y de paso, junto con volver a trabajar con Laura Dern (Terciopelo Azul, Corazón salvaje), abandona los ocho milímetros y toma la camára digital para crear lo que sería una suerte de pesadilla surrealista donde la realidad se altera con la ficción, o mejor dicho con el cine. Laura Dern interpreta a Nikki, una actriz que tiene la suerte, o mejor dicho la mala suerte de ser contratada para una película que hace bastante tiempo fue dejada sin terminar debido a acontecimientos funestos. No obstante la verdadera pesadilla comienza cuando su entorno empieza a alterarse y....En fin, tal como una película de Lynch mejor trate de averiguarlo usted ya que con palabras creo que no podré. De hecho tal como dijo una vez el director el ser humano es un pequeño detective que siempre curiosea y trata de averiguar todo. Inland Empire es lejos una de las películas más originales de esta década, donde su gracia recae en el estilo de la narración y las imágenes ( que más si no de David Lynch). Para los fanáticos y fieles seguidores del James Dean de Marte, como una vez se le apodo, se maravillarán de encontrar varias referencias a sus películas y obras pasadas, como los conejos parlantes de su serie Rabbits, la cual solo se podía ver en su sitio Davidlycnh.com ( no obstante vaya a Youtube y ponga Rabbits David Lynch), o el escenario de la ciudad de Los Angeles, ciudad donde también filmo Mulholland Drive, pasando includo por su obra inédita por estos andares Sinfonía Industrial. Y a la vez es un relato donde la pesadilla y el horror reside hasta donde abarca lo que conocemos como realidad y comienza lo que se llama ficción y el puente entre ambos conceptos. Si no me cree ponga ojo a los conejos parlantes....Y sí, como una película de Lynch, es necesaria verla un par de veces más para comprenderla a cabalidad, o bien para confundirse más. Lynch, como Luis Buñuel, es un cineasta y artista que demuestra que con el paso de los años ha mejorado y que sus obras son más misteriosas y atractivas que nunca. Lejos la mejor película de este año y el mejor director extranjero de este año.

	Intriga Internacional ^TE Nadie me quiere, todos me odian 21-03-2008 ¡Excelente! La última colaboración entre Gary Grant y Alfred Hitchcock dan como resultado una de los mejores películas de suspenso hasta la fecha la cual inspiró después la saga de James Bond y todas las películas de espionaje y conspiraciones, las cuales deben rendir honores a esta, una de las mejores películas del gordo director inglés. Gary Grant interpreta a un publicista arrogante y sarcástico, el cual de un segundo para otro sin desearlo se ve implicado en un caso donde tanto espías como la polícia lo quieren si no detenido muerto. La clave de esta película no es sólo el desarrollo de la trama con algunas vueltas o plot-twists al estilo del director como en Psicosis, también son las escenas de acción como la del avión, lejos la gran inspiradora de la saga dicha antes del agente británico. Intriga internacional sigue siendo una película de suspenso actual, vigente y una soberbia muestra de ingenio de Hitchcock. Compra obligada.

	Viridiana (Edición Criterion Zona 1) ¹⁴ La caridad superficial bajo la lupa de Buñuel 16-05-2008 Viridiana se podría decir ante todo que le abrió las puertas a la fama internacional a Buñuel ya que gracias a ella el director obtuvo la Palma de Oro en Cannes a la mejor película, y a la vez el objeto de todas las maldiciones debido a una estupidez de cierto sacerdote del diaro Il obesrvattore el cual calificó a Viridiana como una película blasfema. Resultado, junto con ser prohibida por un buen tiempo en España Viridiana su director nunca más pudo volver a su tierra natal. Una espada de doble filo. Esta, que es una de las obras maestras del director, es una ensalada bizarra que mezcla melodrama con ciertos toques de erotismo y a la vez una comedia negra donde para variar Buñuel se mofa de los valores cristianos y en este caso es la caridad. Viridiana (Silva Pinal en sus buenos tiempos) es una postlante a monja pero de un día para otro es llamado por su tío rico (Alejandro Rey, él cual volvería a aparecer en el Discreto Encanto de la Burguesía y Ese obsuro objeto del deseo), el cual tiene un interés que llega a la pederastia con su sobrina, y al volver a la parcela de su tío, ella verá que tendra que permanecer con su osado tío a la fuerza, y como resultado se convertirá en la heredera de su fortuna la cual destinará a ayudar a los pobres en orden de seguir su vocación de religiosa. Sin ahondar más en detalles la película tal como mencione, es en este punto donde Buñuel se mofa de algunos valores como la caridad. Es probable que el Padre Hurtado le hubiese dado un síncope al ver esta película. Viridiana es probablemente las bases de la comedia negra surrealista que más tarde Buñuel volvió a utilizar con igual efectividad por lo menos en El discreto encanto y El fantasma de la libertad (estas últimas también editadas por la firma estadounidense Criterion), es una obra por decirlo suave, osada para su tiempo sin caer en el erotismo excesivo y también una aguda crítica y a la vez sátira de la sociedad española de esos tiempos (los mendigos que aparecen en esa película son de verdad). En cuanto a la edición de Criterion, los bonos son simplemente increíbles: una entrevista exclusiva a la actriz Silvia Pinal quien cuenta detalles y anecdotas sabrosas del filme así como las dificultades que tuvo la película cuando fue prohibida en España (por si acaso está en español la entrevista), un extracto a una entrevista a Buñuel de un programa francés y un par de cosillas más. Y por cierto, la película está en su idioma original o sea ESPAÑOL. En suma ¿Vale la pena gastar las más de 20 lucrecias que cuesta este DVD? Los DVD de la compañía Criterion a estas alturas del año son indiscutiblemente los mejores del mercado no solo por la calidad de la película, los bonos y la preocupación por la edición hacen que el precio sea sino adquisible por lo menos justificado. En fin, una de las mejores películas de la historia en una edición que le hace justicia en comparación a CIERTAS empresas nacionales como Manquehue.

	Drácula de Bram Stoker: Edición de Colección ¹⁸ Una obra maestra del terror a la antigua 01-02-2009 Antes que nada: esta crítica esta basada en su contraparte o edición de zona 1 de dos discos; no obstante por lo que he visto la edición de zona 4 es prácticamente igual. De todos modos están advertidos. Después de su descalabro económico de la tercera parte de El padrino, Coppola se vio en apuros financieros y no tuvo más remedio que aceptar el ofrecimiento de adaptar la novela homónima de Bram Stoker, de hecho en los mismos comentarios el director confiesa que no disfruto mucho en su momento la filmación debido a las restricciones de presupuesto, que sin embargo hay que decir que hizo milagros. Dracula de hecho es una película filmada a la antigua, en los albores del uso y abuso de los computadores, Coppola se mantuvo fiel al estilo de la vieja escuela y filmó gran parte de la película en los antiguos decorados de Metro Goldwin Mayer, con uso de tomas sobrepuestas y otras artimañas de tipo casero con tal de engañar al ojo humano (sino fíjense en la sombra de Drácula). Sobre la adaptación, es quizás, dejando de lado la primera Nosferatu, la más fiel a la obra original, donde podemos observar al mayor aprte de su reparto en sus mejores momentos: Winnona Ryder como Nina y a su pretendiente interpretado también en su edad dorada por Keanu Reeves, o bien la acertada decisión de poner a Antony Hopkins como Van Helsing. Pero sin duda, junto con Val Helsing, es Gary Oldman en su papel como Drácula quien se lleva todos los méritos. Drácula no sólo siguió, usó y de paso homenajeó a la la vieja escuela, sino también a los orígenes del cine, pasando por las técnicas con que se filmó hasta a directores y obras específicas como la mencionada Nosferatu, a Bela Lugosi quien fue el primer actor en ponerse la capa del vampiro, y hasta Jean Cocteau con su obra La bella y la bestia. En cuanto a la edición en sí, es lejos una de las mejores que he visto, no solo en cuanto al contenido y calidad de los bonos, desde una introducción y comentario del mismo director hasta documentales y escenas borradas, sino que el 100% del material extra ESTÁ SUBTITULADO A NUESTRO IDIOMA. Las primeras ediciones que salieron de esta película si bien en cuanto a audio y video soobrepasaban las expectativas, se merecían la nota cero en cuanto a bonos. Por suerte el mismo director supervisó está edición, algo similar a lo que hizo Ridley Scott con la edición maleta de Blade Runner. Resumiendo: una bella obra de terror obligada tanto como para novatos y amantes del cine clásico, en particular de a comienzos de la década de los 20 y 30. Lejos uno de los pilares más altos de Francis Ford Coppola, y ahora más aún gracias a está magnifíca edición. Merece por lo menos un par de días para ser diseccionada.

	Old Boy ¹⁸ Viaje a lo profundo del infierno humano 05-01-2009 Old boy es algo más que Tarantino, Lynch y Miike Takashi juntos, es un vivo retrato de como el ser humano desciende a los infiernos en lo social con tal conseguir su venganza cueste lo que cueste, un ensayo de como se pierde la cordura con tal de conseguir la ansiada venganza. ¿Violenta? ¡Falta nada más decir! ¿Artística? ¿Por qué no? Cuestión de mirar la escena de la pelea con la banda entera en el pasillo, lejos una de las mejores tomas que he visto en años, filmada con maestría y originalidad. De que es claro que Old boy no es para estómagos débiles, su violencia sino realista dramática, digna de una tragedia griega, algo que más que disgustar entristece de como el protagonista, de padre de familia perfecto se ve reducido a un solo pensamiento de venganza cueste lo que cueste. La venganza nunca es buena, mata el alma y la envenena, dice el chavo. Sin duda lo mejorcito que se ha visto en el cine oriental a nivel general; sí, Old boy no es como dije antes para personas sensibles, pero si se tiene el estómago suficiente nos daremos cuenta que estamos ante una de las mejores obras de arte que han salido de los 8 milímetros, una suerte de heredera del film noir. Más que recomendable, disección obligada para toda una noche.

	Anticristo ¹⁸ Amor y muerte 27-11-2011 Como dijo Ian Crhistie, decir que los trabajos de Lars Von Trier son perturbadores y provocadores es lo mismo que expresar que John Ford hizo westerns, en otra palabras decir toda la verdad. Anticristo es un giro en 180 grados en comparación con la fimografía anterior pero que al igual que su trabajos anteriores te puede gustar como lo puedes odiar (la ví con mi papá y según él era una lección de sadomasoquismo totalmente PRESCINDIBLE). Si Bailarina en la Oscuridad es una feroz y potente tragedia griega, Anticristo toma otro camino pero con destino igual, exhibir el sufrimiento y hasta autoculpa y represión de una mujer pero ahora no solo psicológica, también lo físico pasando por lo sexual: un matrimonio parté a una cabaña en medio del bosque después de perder a su hijo aún bebé, pero la mujer, en una interpretación por Charlotte Gainbourg que realmente es para sacarse el sombrero (me pregunto como tuvo estómago para hacer ese papel), más que buscar consuelo exige incluso a su marido, interpretado por William Dafoe, el castigo y hasta sufrimiento prolongado. Podríamos decir que Anticristo, junto con Bailarina..., conforman una serie dedicada al sufrimiento y persecución del género femenino: si Bjork pone en tela una gruesa crítica a la sociedad estadounidense pasando por la satira al género musical, el director ahora va más allá y busca las raíces del machismo en el desarrollo de la historia de nuestra civilización. Pero no hay que confiarse, Anticristo es una película que no dejará indiferente a nadie; si alguien anda buscando la típica película Pop corn entonces quedará traumado más de la cuenta (ojo con un par de escenas, en particular el clímax). ¿Es Lars Von Trier un perfecto sadomasoquista? Puede ser y hasta perfectamente. ¿Es Anticristo una obra maestra del terror psicológico o producto de una mente enferma? Todo depende del punto de vista en que se mire la película. Lars ha creado una película que generará más controversias que acuerdos pero que demuestra que el género del terror, sin ser del gusto de la mayoría, puede serguir conmocionano en una de las películas más terroríficas y perturbadoras de la historia. Por último, como adverencia: CUIDADO, ésta no es una película de terror barata, personas que pensaron que Actividad Paranormal daba miedo, vayan con el estómago preparado.

	El Arca Rusa ^TE La mejor película del 2004 y punto. 12-09-2007 El arca rusa es el perfecto ejemplo de que técnica, creatividad y contenido pueden ir de la mano en una película. Tal como se dijo antes, una de las maravillas de la película es que es una sola toma de 90 minutos continua (de hecho es hasta ahora la toma más larga de toda la historia del cine), donde dos personajes, un francés que corresponde al personaje histórico de Marquis de Custine que fue visitante frecuente de Rusia, y una voz en off que corresponde a alguien de nuestros días, exploran el Museo del Ermitage, donde cada salón representa a un personaje histórico de Rusia, pasando por la Emperatriz Catalina la Grande hasta la nobleza en tiempos previos a la revolución rusa. Tal como se dijo, a nivel técnico es uno de los mayores logros del cine, donde la escena final consiste en una orquesta conjunta tocando. Personalmente una de las escemas más majestuosas que he visto en toda la historia del cine. Y a la vez una perfecta lección de historia de dicho país, si bien sólo llega hasta antes de la Revolución Rusa (aunque extrañamente mencionan algunos hechos acontecidos en la Primera Guerra Mundial) ¿Será una especie de nostalgia por la vieja Rusia antes del levantamiento de los bolcheviques? ¿Influencia acaso de los otros padres del cine ruso como Tarkovsky? El arca rusa es lejos una de las mejores películas de todos los tiempos. Es más ¿Por qué Steven Jay Schneider no incluyó está película en su libro 1001 películas que hay que ver antes de morir? Es una obra que merece ser recordada por la eternidad y atesorada por cualquier cinéfilo que se haga así llamar.

	Perros de la Calle (Special Edition Zona 1) ¹⁸ Un orgasmo de violencia y humor negro 07-09-2007 La opera prima de Tarantino no sólo es un homenaje a la película Casta de Malditos de Stanley Kubrick, es un homenaje al viejo cine negro y policial de los 30 y 50. Seis sujetos son contratados para realizar un asalto a un banco, pero la cosa termina mal, tanto en el bando de los ladrones como en la policía, y los sobrevivientes ahora sospechan que entre ellos hay un traidor. Pero la gracia de esta película no es la historia en sí, una vez más Stanley Kubrick hizo lo mismo en Casta de malditos, sino en los ingeniosos diálogos o bien sus imágenes violentas (Ojo con la escena de la oreja), teñidas de humor negro. Junto con Pulp Fiction, Reservoir Dogs es la mejor película que hasta ahora ha hecho Tarantino. En cuanto a la edición de dos discos, contiene material para días (escenas borradas, comentarios, entrevistas, easter eggs etc). Una película tanto como su impecable edición imprescindibles en la videoteca de cualquier cinéfilo serio.

	La Vida de Brian ¹⁸ He is not the Messiah. He is just a very naughty boy! 25-08-2007 Tercer film de la troupe el cual no sólo fue prohibido pr un buen tiempo en nuestro país sino en varios países más, incluso en algunas localidades de Inglaterra. Aunque es lejos el film más cuerdo de toda la filmografía de Monty Python, no por ello dejan de lado su característico humor negro mezclado con sarcasmo y hasta crítica social: Brian (George Chapman) es un judío que tiene la mala suerte de convivir con su madre, una mujer explotadora y moralmente baja a más no poder, y al tratar de darle un vuelco a su vida y darle algo de sentido se une a la rebelión judía en contra del imperio romano, la cual se la pasan discutiendo en contra de los romanos en vez de actuar como rebelión en sí, y además de tener la mala suerte de ser descubierto en un complot para asesinar a Poncio Pilatos, por si fuera poco Brian es confundido con el mesías, lo cual le va a traer más dolores de cabezas que beneficios. Toda esta hilarante situación es una excusa perfecta donde cada uno de los 6 miembros de la troupe hacen más de 40 papeles a la vez (!) para burlarse de la sociedad de esa época, incluyendo a los romanos, aunque sin ofender a la religión católica (muchas personas piensan que en este film Jesús es ridiculizado. De hecho el hijo de Dios sólo aparece un par de minutos). Que más puedo decir, para muchos el mejor film de los Monty Python. Ojo con la secuencia final, la cual le valió ser prohibida.

	Despertando a la Vida ¹⁴ La vida es sueño 11-09-2007 Despertando a la vida es por decirlo de una manera toda una clase de filosofía y de sicoanálisis a través de una cinta de animación, hecha con una técnica derivada del Rotoscoping (la misma que utilizó Ralph Bakshi en su fallida adaptación animada del Señor de los Anillos), pero más avanzada. Resulta una sorpresa agradable que un director responsable de otros filmes tan logrados como Escuela de Rock y Antes del atardecer y amanecer también domine el campo de la animación (este no es único film animado de Richard Linklater, su última película A Scanner Darkly también utiliza dicha técnica). En Despertando a la vida observamos varios dalógos y monólogos sobre los sueños, la vida, y hasta una crítica a la sociedad misma. Es toda una clase de filosofía, política, ciencia y sobre si nosotros somos en verdad seres que soñamos mientras estamos despiertos. Fuera de la animación y la música que es estupenda, la otra gracia de la película pero de la cual hay que tener cuidado son los diálogos, como se habrá dado cuenta, ya que hay que verla lo más relajado posible, y diría que hasta más de una vez. No es una película para tomar a la ligera, su encanto radica en el contenido de los diálogos, por lo cual para algunas personas puede ser la película más latera. Aún cuando la edición de zona 4 es carente de bonos (no tiene ni trailer), esta película se merece un arriendo obligado, y es perfecta para una clase de sicoanálisis, filosofía o bien para estrujar la materia gris, así como el espectáculo visual que ofrece en un campo dominado por el país nipón. Excelente film.

	Doce Hombres en Pugna ^TE Una clase magistral de cine 07-09-2007 Si bien Hitchcock ya había experimentado con éxito filmar en una sola habitación durante todo el transcurso de la película en la eficiente La Soga, esta fórmula vuelve a ser utilizada por parte de Sidney Lumet y el resultado es digno de una cátedra de sicología (de hecho esta película la ví en mis clases de sicología en Bachillerato). 12 hombres en pugna muestra el conflicto que debe dar un jurado en ponerse de acuerdo en un juicio que a primera vista todas las evidencias dan como culpable al acusado de homicidio; no obstante un solo hombre empieza a dudar de la culpabilidad del único implicado y deberá convencer a los restantes 11 jurados de su teoría por medio de la razón. De hecho la película radica en los diálogos los cuales son performados (sic de manera sorprendente por el elenco (lejos uno de los mejores papeles de Henry Fonda). Esta película es una forma de análisis excelente de ver cómo actúa y funciona un grupo de personas en un medio determinado, que en este caso es en un juicio. Una obra imprescindible de ver.

	El Amanecer de los Zombies ¹⁴ La mejor película de zombies. Punto. 28-08-2007 Definitivamente George Romero le dio el palo al gato en 1978 con este film, que en su momento fue la película de horror más exitosa, recaudando más de 40 millones de doláres en el mundo. Si bien estrictamente no es la continuación de su opera prima La noche de los muertos vivientes (1968), en El amanecer de los muertos el tema de la epidemia de los muertos vivos come humanos va más allá: partimos en que ya está desatado el caos, los zombies ya han invadido las calles y somos espectadores de cómo la humanidad y su civilización se desintegran. La razón de esta epidemia ya no es de importancia, ya la humanidad está condenada. Después de un fallido intento por parte de los SWATS de evacuar un edificio invadido por los zombies, dos polícias, Roger y Peter junto con dos civiles, uno de ellos piloto de un helicóptero, deciden salvar sus propios pellejos y deciden volar a otro refugio, llegando a nada menos que un mall (la gracia de la película es que en esos tiempos los shopping center eran algo bastante reciente), donde junto con eliminar a los zombies que han entrado, deberán convivir, llegando a una suerte de existencia que es ajena a la hecatombe que esta sufriendo el mundo. Es ahí donde George Romero crítica en forma mordaz la sociedad de consumo, donde los zombies presentes en el mall sólo acuden a este ya que tal como dice uno de los protagonistas, cuando vivian fue un lugar importante en sus vidas ¿O es que acaso somso una clase de zombies que acuden a un mall como si fuese un lugar sagrado, una Meca donde el consumismo es la religión? ¿Somos realmente mejores que esos muertos vivos que pululan en las tiendas? Qué más puedo decir, definitivamente una de las mejores películas del horror moderno junto con El exorcista, Alien y El resplandor. El único pero al VHS en Bazuca es que es una edición demasiada cortada, siendo que la versión que se estrenó en Europa dura 117 minutos. Aún así, vale la pena arrendar el VHS, aunque si quieren mi consejo mejor ahorren para comprar la edición que sacaron en España, o bien para comprar la Ultimate Edition que sacaron en zona 1. Gran película, la mejor de George Romero.

	The Phantom of Liberty (Edición Criterion Zona 1) ¹⁴ ¡Abajo con la libertad! 21-09-2007 Después de su merecido Oscar que recibió gracias a su Discreto encanto de la burguesía, Luis Buñuel planeaba retirarse de una vez por todas, pero en vez de eso decidió posponer su retiro y junto con el guionista Jean Cluade decidieron realizar algo fuera de lo común en cuanto a narración, y junto con repetirse su cuota de surrealismo mezclado con crítica y satira social, dio a luz lo que sería su penúltima película. Si bien la trama en sí no es algo que se pueda decir que sea definida, son varias historias o sketches donde observamos los absurdos o bien hipocresías sociales que saca a la luz en forma brillante Luis Buñuel, como la escena de la comida donde las sillas son nada menos que tazas de baño, y los comensales empiezan a discutir sobre la cantidad de excrementos y desechos orgánicos que a diario se producen en el mundo, simplemente genial...¿O qué me pueden decir de un hombre que ve a una avestruz atravesando su pieza mientras duerme, o unos monjes que después de rezar por la salud de un enfermo se ponen a jugar póker, junto con apostar sus escapularios y medallas? (Nunca falta la presencia de la iglesia en las películas de Buñuel). El fantasma de la libertad, tal como dijo una vez Buñuel, es la muestra de que todos los valores que como sociedad aspiramos, entre ellos la libertad, son nada más que una suerte de fantasma o ilusión, son cosas que ficticis (sic) las cuales tratamos de encarnar pero como resultado nos contradecimos. Sin duda El fantasma es una de las mejores películas que hizo Buñuel, y al igual que el vino Buñuel demuestra que un artista surrealista como él con el paso de los años mejora, convirtiendo sus obras en expresiones más vivas, furiosas, casi como su opera prima Un perro andaluz. El único pero no es la película o la edición estupenda de Criterion, sino que ninguna compañía se haya dado la tarea de ponernos al alcance de nosotros esta magnífica obra en un DVD con subtítulos en español. Está bien que sus películas no sean para nada comerciales, pero tampoco es justo que El fantasma de la libertad y otras obras maestras a la larga sólo puedan ser degustadas en otros países. A pesar de todo vale la pena arrendar esta película y perder toda una tarde observando esta maravillosa comedia surrealista. Junto con El discreto encanto de la burguesía y Un perro andaluz, El fantasma de la libertad es la mejor película que realizó este magnífico director.

	Andrei Rublev ¹⁴ Tu harás campanas, yo seguiré pintando íconos. Sería un día de fiesta para la humanidad 19-12-2007 Si Galileo se tuvo que jactar de su teoría heliocéntrica delante de toda la inquisición, el pobre Tarkovsky nunca más pudo volver a su Unión Soviética con el filme Andrei Rublev. Andrei Rublev trata sobre la vida del pintor de íconos más grande de Rusia del siglo XV, del cual lamentablemente se sabe poco o nada. Más que una biografía, Tarkovsky nos muestra los dilemas o problemas morales que siempre han afectado al ser humano, tales como la duda sobre la existencia de un Dios quien regule o detenga toda la maldad y calamidades que observa dicho pintor, quien a la vez mantiene una lucha interna de seguir pintando o no, y es igualmente una crítica a la historia del ser humano y su sociedad. Como diría uno de los personajes de este film, si Jesús resuciatse nuevamente, sería crucificado de nuevo (o más o menos). El director nos muestra una visión oscura y pesimista de la humanidad no sólo a nivel histórico y religioso, también a nivel social, donde nos muestra a los propios rusos peleándo y matándose entre sí, escenas las cuales le valieron la prohibición de volver a su país al director. A pesar de este panorama sombrío, el protagonista halla en el actuar de un joven que se dedica a fabricar campanas, a primera vista altanero y hasta presumido, la fortaleza y el argumento suficiente con el cual puede seguir continuando su verdadero lei motiv en la vida, pintar íconos. En lo personal este es el cuento no sólo más desgarrador sino también el más conmovedor de todo el filme. Andrei Rublev si bien es una visión crítica y oscura que a ratos puede parecer pesimista del ser humano, es a la vez una lección que a pesar de todo siempre tenemos que hallar una razón para continuar y seguir si no luchando, sobreviviendo en un mundo donde el caos y el respeto mutuo se están extinguiendo, tal como sucedió con el director cuando a pesar de que nunca más pudo volver a su país natal siguió filmando. Es sin duda una de las mejores películas de todos los tiempos la cual merece ser vista y examinada en todos sus detalles, hasta en la fotografía en blanco y negro que es bellísima, sin contar el final el cual si a primera vista es conmovedor. Y en cuanto a la edición de DVD contiental, si bien sigue presente el horrible portuñol, comparado con otros DVD como 8 y medio editados también por ellos, hay que reconocer que la traducción es mil veces mejor, aún cuando sigue presente dicho portuñol; es más, debido no sólo a la mencionada corrección, debido a la importancia de esta obra fílmica paso por alto los subtítulos, además esta es la versión íntegra que filmó Tarkovsky, que son más de 3 horas y 30 minutos, así que mi consejo para apreciar a cabalidad este fim es tomarse toda la tarde entera acompañado por una taza de café del bueno y quizás con un cigarro. Junto con el Arca Rusa, Andrei Rublev es la mejor película histórica no solo rusa sino a nivel global.