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Películas comentadas por royale with cheese (Ver comentarios de productos de royale with cheese [1])

Estas son las películas comentadas por royale with cheese, ordenadas de acuerdo a las estrellas con que las clasificó, de más estrellas a menos.

	Jesucristo Superestrella ¹⁴ Jesus Christ Superstar 01-03-2007 Sobreviviente al efímero género de ópera rock, aquí sigue vigente Jesucristo Superestrella. Hace mucho la daban en el canal RockPop para semana santa y aunque tengo vaguísimos recuerdos, me parece una buenísima opción frente a la trillada Jesus de Nazaret. El fuerte de esta película es la música y las canciones que son notables, con detalles setenteros tanto en las canciones como en la estética, y la novedosa adaptación que se hace con tintes políticos (los seguidores de Jesús son también en su mayoría revolucionarios contrarios al Imperio Romano), así que el grueso de la historia (la vida pública de Jesús hasta su muerte) no es narrado con muchos detalles, lo que no es un obstáculo para el desarrollo de la película, pero sí demanda tener un mínimo conocimiento de la historia de antemano. Ojo con Jesús y Judas, los focos principales de la película y un par de tremendas voces.

	La Naranja Mecánica ¹⁸ Ni bueno ni malo, sólo libre 25-01-2009 Los múltiples registros de Stanley Kubrick usualmente nos confunden a la hora de enfrentarnos a sus películas. Ya sea una cinta de ciencia-ficción metafísica (2001: Odisea...), una comedia negra sobre la guerra fria (Dr. Insólito), una historia coral sobre un mismo crimen, tipo cine noir (Casta de Malditos); los vaivenes en su filmografía nos desconciertan, y al enfrentar cada nueva película las anteriores no son siempre una ayuda. Y eso da gusto. Sobre La Naranja Mecánica mucho se ha dicho y discutido, bajo sesudos análisis e intrincados simbolismos. Y el tono de la cinta confunde, la verdad. Ultra violencia. Violaciones. Beethoven. Conductismo. El desquiciado viaje de Álex de Large, que seguimos atentos, tratando de encontrar sus motivaciones para esas palizas sin sentido aparente y esa violencia exhuberante. No hay motivaciones. No las necesita. Nadie necesita motivaciones para vivir, basta sólo vivir. Alex vive su vida de la manera más auténtica posible, ni siquiera el lavado de cerebro que amenaza con matar para él la música (si se quiere, lo más bello que hay en él) logra doblegarlo. Por sobre la moral, los principios, los otros, la sociedad, las miradas ajenas, triunfa la libertad. Se puede aprender a ser bueno o malo, pero a la libertad estamos atados indefectiblemente. Somos libres para componer las sinfonías más sublimes o para cometer las peores atrocidades. Libertad al fin.

	Las Uvas de la Ira ¹⁴ La vida en el medio oeste 01-03-2009 Esta película es fiel representante de ese buen cine norteamericano de antaño, por ahí por los años 40-50. John Ford siempre se caracterizó por su impecable factura y su capacidad narrativa superior, logrando concebir películas que mantienen un buen ritmo al mismo tiempo que una gran calidad. Las Uvas de la Ira se sitúa en unos Estados Unidos golpeados por la incertidumbre después de la crisis del 29. Nadie sabe realmente que esperar, y sólo se mueven a la deriva llevados por decisiones de bancos y economistas, totalmente incomprensibles y ajenas para la gran masa popular estadounidense. Los pequeños campesinos son echados de sus tierras en pos de una economía más industrializada y a mayor escala, sin importar la tragedia familiar que pueda representar, o generaciones enteras que nacieron y crecieron en sus tierras y ahora simplemente son expulsados. Las promesas de un futuro mejor llevan a cruzar el país entero a algunos, sólo para encontrarse con condiciones de vida indignantes. Si bien antes también eran pobres, tenían para vivir dignamente y su propia fuente de trabajo. Ahora deben venderse como fuerza de trabajo, acatando cualquier orden, sin siquiera reclamar sus derechos básicos. Es en este contexto que John Ford crea una suerte de épica americana, basada en valores como la fraternidad, la colaboración y un humanismo de corte reivindicatorio, en el que el pueblo con sus propias manos construye la justicia que le ha sido robada. Es una preciosa historia de la cuestión social en América y de como ante la adversidad, la fraternidad surge cuando debe.

	Metrópolis ¹⁴ All you need is love 25-03-2009 Esta película de Fritz Lang es una piedra angular de toda la narrativa del cine contemporáneo que conocemos. Su riqueza lingüística (a pesar de ser muda), espiritual y simbólica, da cuenta de una concepción estética muy madura del cine, aún con los pocos años que éste llevaba para 1926, cuando fue filmada Metrópolis. Aquí se nos presenta una fallida utopía que consiste de una gran y luminosa ciudad, fruto de la razón y el progreso humano (con la nueva Torre de Babel como su símbolo y cúspide), en la que viven los ricos y dominantes, pero construida y mantenida gracias a una inmensa masa de obreros en penosas condiciones, tanto así que están relegados a vivir bajo tierra, mientras los hijos de sus patrones disfrutan de jardines de eterno verdor. La película va narrando el despertar social no sólo de una masa descontenta, sino el despertar del hijo del hombre más poderoso de Metrópolis, quien conoce la realidad de los niños que no ven el sol y no puede seguir con su vida de placeres, y se une a la lucha por la transformación de la realidad. Junto con esta historia van siendo descritos los vicios de una sociedad iluminista con fe ciega en sólo el progreso y la racionalidad del hombre, con sendas metáforas bíblicas y apocalípticas. Esta es una película en blanco y negro y muda, pero sin embargo logra entretener, manejar la tensión y sobre todo emocionar, lo que demuestra que el cine, con más o menos tecnología, sigue siendo esencialmente el mismo. Además Fritz Lang nos recuerda que la revolución más grande del mundo no es a punta de pistola ni de tecnocracias: hay que volver a nosotros mismos y redescubrir el corazón -y el amor- como la espada contra la desgracia de la modernidad: olvidarnos que somos humanos.

	Los Sospechosos de Siempre ¹⁸ Un engaño soberbio... 27-12-2006 Al terminar de ver esta película me sentí totalmente engañado. Simplemente caí en la trampa de Bryan Singer. El director juega con nosotros, ayudado en gran medida por las tremendas actuaciones (genial Kevin Spacey como Verbal Kint), haciéndonos creer exactamente lo que quería hacernos creer, inmersos en el relato-confesión de Verbal Kint, para luego jugar con nuestra ingenuidad en un final que me desconcertó, me descolocó y, al final de cuentas, me hizo partícipe de una mentira que disfruté tremendamente. Ojalá pudiese olvidarme por completo de la historia para poder ver la película desde cero y caer nuevamente en el engaño.

	Perros de la Calle ¹⁸ ¡Qué insolencia! 27-12-2006 Un demente criminal se prepara para regocijarse con la tortura que le va a propinar a un policía que tiene como rehén, luego de un asalto frustrado que perpetró a una joyería junto con un grupo de otros delincuentes. Ajusta la frecuencia de la radio que tiene a mano, para detenerse en una vieja canción que obliga a mover los pies. Y cómo se va a mover el personaje que interpreta Michael Madsen: siguiendo alegremente con su navaja el compás de la canción, dando sádicos cortes en la cara de su rehén. El loco torturador deja de lado su afilada herramienta y comienza a rociar con parafina al policía... Debía narrar esta escena que me impresionó no por el hecho de mostrar violencia y un descarnado sadismo, sino por la desfachatez con la que se muestran. Y eso es Tarantino: un desfachatado, un insolente que viene a jugar con las normas a nivel de violencia, corrección y narración (utilizando con maestría su querido recurso de montaje y desconcertándonos ya en el inicio de la película con una gran conversación muy al estilo Tarantino), armando de paso una magnífica película, resultando airoso y justificando su insolencia.

	Old Boy ¹⁸ Una tragedia sin consideraciones. 28-02-2007 Mucha gente ha comparado esta película, segunda entrega de una trilogía sobre la venganza de Park Chan-Wook, con las obras de Tarantino, principalmente por la abundante presencia de violencia y su estética, si queremos llamarle de alguna manera, cool (nefasta palabra, pero viene al caso), pero creo que es mucho lo que las separa, sin desmerecer a la filmografía de Quentin Tarantino, la cual me gusta bastante, ni a la de Park Chan-Wook. Los filmes del primero se caracterizan por, aparte de su narración fragmentada, ser violentos incluso en exceso tal como lo es Old Boy (nótese la sesión de tortura dental de Oh Dae-Su). Pero la violencia y la crudeza son conceptos bien diferentes, y me parece que el segundo encaja mejor con Old Boy (tampoco significa que la violencia de Tarantino carezca de sentido o mucho menos). Sumado a la violencia, este film posee además otros recursos muy interesantes a nivel de estética, tales como la pelea que se desarrolla en un mismo plano, cual Mortal Kombat, y el literal concepto del racconto de Dae-Su. El desarrollo de Old Boy gira en torno a la venganza de Oh Dae-Su contra el responsable de haberlo encerrado en un cuarto por más de 15 años, sin motivo aparente, por lo que al encontrarse en libertad emprende una frenética búsqueda del culpable de su encierro y del por qué de éste mismo. El director muestra el necesario ensombrecimiento de Oh Dae-Su para entregarse a la venganza, y aprovecha de divagar sobre el destino de quien se ha arrojado a la venganza. Quizá ésta es el mismo camino y no el fin, es la resolución cruel y la determinación más cruda y elemental, lo que necesita Dae-Su para darle sentido a su destrozada vida. Como final, esta tragedia con tintes de humor negro tiene un cierre notable que me mantuvo los últimos 20 minutos de la película expectante de la resolución de una venganza que, después de un vuelco tremendo, no se sabe bien a quién le pertenece.

	Discípulos de la Cámara 36 (PAL Edición Zona 2) ¹⁴ Un clásico de género 04-03-2009 El éxito películas de género (como los son las de artes marciales, westerns, zombies, etc), depende la mayoría de las veces (porque siempre hay gratas excepciones) en lo fiel que sean los realizadores a la fórmula primera del género, teniendo cada uno sus propios códigos y símbolos. Generalmente hay 2 líneas argumentativas similares en el cine de artes marciales, que suelen darse simultáneamente. Una: un tirano abusa de la aldea natal del protagonista y éste se instruye en el kung fu con el fin de liberarla. Dos: el maestro de kung fu del protagonista es asesinado y éste debe buscar vengarse del asesino, que resulta ser su némesis. Con una fórmula tan clara, para darle frescura al género deben haber reinvenciones dentro de la receta. Aquí el joven protagonista de turno (Gordon Liu, actor clásico del género, tanto así que Tarantino lo homenajeó dándole el personaje de Pai Mei -a su vez tomado del clásico filme Executioners of Shaolin- en Kill Bill) pelea en parte contra el típico tirano que azota su aldea, pero no principalmente contra él, sino contra los dogmas de su propia academia, para democratizar el kung fu y abrirlo a todas las personas, contra el hermetismo de sus maestros. Así la película también se transforma en una metáfora de sí misma: la apertura de la milenaria cultura oriental hacia occidente no se detendría en adelante. Si bien el filme no está a la altura de clásicos del cine (ya que también considero que el cine de samurais es bastante superior), es un excelente y muy fresco ejercicio de género, una muy buena película de matiné que cumple con lo que promete.

	300 ^TE Estética alucinante, pero... 03-03-2009 Debo ser fiel a lo que vi y vivi. No vi como todo el mundo la película en el cine, en dvd o en su defecto en el cable. La vi en un bus, en una versión horrible, en una tele minúscula y con los subtítulos tan malos que tuve que dejar de leer y tratar de entender lo que decían en inglés. Agradezco las condiciones penosas en las que vi la película porque así no estuve babeando con la estética (que luego pude apreciar viendo el dvd) y pude fijarme en otras cosas. La dirección de arte es increíble y ciertas imágenes son como para quedarse pegado un buen rato, pero es una película al fin y al cabo. Y tiene vicios imperdonables. Las imágenes no lo son todo, por algo el cine conjuga tantas disciplinas y artes en uno solo. Podrían haber tomado la opción de Sin City y meterse 100% en la estética, y volver la película en un despliegue de estilo, oficio en la narración y notables personajes, junto con su exquisita corrupción. Pero en 300 la verdad es que donde falta ritmo, sobra un latero sentimiento épico que se encargan de recalcar toda la película, junto con la ética griega del reconocimiento y la vida activa, el modelo que forjaron Ulises y Aquiles en las guerras mitológicas, pero que aquí da la impresión (con la procedencia americana de la película) que es aprovechada como una simple muestra de lealtad a la patria y ciega entrega a ella. Los personajes son unilaterales y repiten las mismas frases todo el filme, y eso que la mitad del diálogo en la película son arengas militares. La historia que hay tras la película (la batalla de las Termópilas) es impresionante, pero tristemente mal aprovechada por los realizadores, quienes no supieron darles agilidad y ritmo a un relato que calificaba para ser entretención asegurada. A excepción de los combates y secuencias de batalla, no entretiene en lo absoluto. Las batallas no están precedidas por ningun tipo de expectación, sabemos que nos espera una secuencia increíble de combate, pero terriblemente vacía y poco relevante.

	Te Amo (Made in Chile) ¹⁴ Patética. 25-03-2007 Esta película tenía dos opciones en el momento que fue gestada: la primera era no haber visto nunca la luz y haber sido sólo un bosquejo, una mala idea, y la otra opción era transformarse en una pésima película, con horrendas actuaciones (¿qué hace Tamara Acosta en este fiasco?), que pretende entregar un mensaje trillado, burdo, lleno de clichés y además con unos diálogos que son dignos del basurero. Como es evidente, Te Amo Made in Chile vio la luz y se ganó una sarta de nefastos adjetivos. Esta película nos enseña, para verle alguna cosa útil que sea, que no todas las ocurrencias son dignas de ser concretadas. A veces es mejor que se mantengan como lo que son: simples ocurrencias.