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Con Animo de Amar
TE
Un milagro traído de Oriente 27-01-2007
Algo pasa con Oriente que no deja de invadirnos con las mejores películas que se hacen por estos tiempos. Y para mí ésta es la mejor. Es tercera vez que la veo en poco más de un año, y como los buenos libros y las mejores películas, cada vez es mejor. No hay un minuto de la cinta que no transmita una intensa sensibilidad, que no desborde de emoción, de dolor, de la maravilla que puede hacer la imagen en el cine. Pero si a alguien ha de serle útil este comentario, habría que decir que la película es una historia de amor y desamor, pero contada con una sutileza que creo no haber visto en otro filme. Tampoco en la sensibilidad de la imagen (incluidas las actuaciones de los protagonistas, dos milagros en la pantalla), que se articula con una excelente banda sonora que intercala una partitura en violín que acompaña abundantes imágenes en cámara lenta, y boleros por Nat King Cole. El "quizás, quizás, quizás" de seguro quedará dando vueltas un buen tiempo en quien vea esta película. En fin, una cinta cuya historia no es contada linealmente ni de forma continua, que se va construyendo a retazos, con insinuaciones, con el silencio (incluso en la música), en los rostros, y en el tiempo. Para mí, la mejor película de la última década al menos.
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Fresa y Chocolate
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Vamos a ver buen cine 22-06-2007
Con la poca distribución que tiene el cine latinoamericano, en especial de los años noventa hacia atrás (lo paradójico del arte más industrialmente determinado: es más fácil encontrar aquí una película francesa de los años cuarenta, del montón, que una excelente película argentina o mexicana de los años ochenta), es un real placer encontrar películas tan buenas como ésta en circulación. Los premios y el reconocimiento, como los que recibió esta película, nunca han sido real causa para el milagro de encontrar con facilidad películas de antología de este continente (habría que preguntarle a Arturo Ripstein o Leopoldo Torre Nilsson, por dar un par de ejemplos).
Gutiérrez Alea es una de los puntos más altos del cine de este lado del mundo, y es una gracia poder contar con tres de sus más importantes películas. En el caso de Fresa y chocolate nos encontramos con una película inteligente, culta, muy bien realizada, de grandes actuaciones, con un fino sentido del humor, y con gran sensibilidad para tocar temas como la sexualidad, el amor, la amistad, y el castigo de estar atrapado en ti mismo y en tus propios ideales: el ideal de la liberación y la libertad, de la igualdad, pero en términos amplios, reales, humanos. Todo esto sin pretender hacer propaganda barata o discursos innecesarios, en una notable autocrítica de la Revolución surgida (y valorada) en el seno de ésta. Estas son cosas que vale la pena ver.
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Hiroshima, mi Amor
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Esto sí es cine arte 12-03-2007
La belleza plástica, poética y del manejo del tiempo en Hiroshima mon amour es espectacular. Es cierto que la descomposición sintáctica y el lenguaje poético puede terminar confundiendo o saturando a un espectador medio, pero también es cierto que lo que fue tan revolucionario en esta película hoy ya no sorprende tanto: la desarticulación temporal es un recurso sumamente utilizado hoy en día (pensar por ejemplo en películas tan disímiles como 21 gramos, Memento o 2046). Sin embargo, en cuanto al tratamiento del tiempo y la memoria, esta película sigue siendo ejemplar. No se trata ya de una simple remembranza del pasado, sino en cómo el pasado se presentiza en el discurso de la protagonista, como una vivencia que como huella es más presente que la realidad circunstancial en la que esos recuerdos se evocan.
Es tal vez lo más cercano, en dos medios heterogéneos, del manejo del tiempo proustiano, donde los tiempos se fusionan, e incluso el pasado termina superponiéndose al presente, pero a la vez dándole una mayor profundidad y sentido (por eso ella sólo puede llamarse Nevers, y él, Hiroshima). Lo que puede resultar confuso en este filme es lo que precisamente a mí me parece más bello: el predomino de un orden sensible y afectivo de las cosas, mucho antes que lógico, acompañado de un lenguaje que por lo mismo (ya que reúne analógicamente en sí ambas temporalidades), sin ser retórico, se hace poético (sobre todo en los primeros diez minutos, donde sólo vemos imágenes de Hiroshima y el diálogo poético entre los protagonistas). La pluma de la Duras fluye como si estuviésemos leyendo la más íntima de sus novelas. Por eso concuerdo que este filme no es fácil; es para verlo con tiempo, con conciencia de que el argumento central es sólo un pretexto para meternos en la sensibilidad de los protagonistas, en su devenir temporal. Para quienes prefieran o gusten tanto de la lírica como de la narrativa.
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Little Miss Sunshine
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Personajes que deslumbran 09-05-2007
La sencillez de las emociones; la inconsistencia de los pilares en que fundamos nuestra seguridad de lo cotidiano, de la rutina; cómo generamos el autoengaño y las falsas razones de nuestra estabilidad; y finalmente cómo esa frágil estabilidad merece la pena ser por fin destruida, develadas las máscaras, encontrando una razón más profunda (pero muchísimo más sencilla y pura) para encontrarnos no sólo con nuestro verdadero rostro sino con el de nuestro entorno, nuestro más cercano y querido entorno: las múltiples caras del amor. Así, en una historia sencilla, directa, perfectamente construida, esta película logró superar todas mis expectativas, creando un espacio íntimo y sentimental (el sentido de la familia) que muy pocas películas logran.
La hora y media pasa volando, y dan ganas de seguir conociendo a cada uno de los maravillosos personajes que construyen esta historia, sobre el amor, la familia, la honestidad, la simpleza y la entrega incondicional. No es una simple historia sobre una tierna niña linda; esa niña linda es sólo uno más de los personajes tan íntimos y reveladores que se nos exponen. Esto, además, en una película sumamente entretenida, tierna, y con muchísimo humor de buena ley. La maquinaria emotiva se pone en movimiento para hacernos reír tocando nuestros más profundos sentimientos casi imperceptiblemente, demostrando que lo sencillo puede ser mucho más profundo y revelador, siempre que se haga bien.
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Amadeus
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Perfecta 26-01-2007
Puede parecer un exceso un título como aquél, pero es que la película realmente me fascina. Y la perfección no sólo es de gusto: la ambientación es espectacular (vestuarios, decorados, etc.); las actuaciones, sobre todo la de F. Murray Abraham, son sublimes; la música quita el aliento. Además el guión está perfectamente construido en torno a ella: cada escena se encadena sensiblemente a través de la música con la que sigue, dándole a la trama velocidad a la vez que sensibilidad, junto con crearnos el espacio perfecto para el mundo que se nos está presentando: el genio de Mozart, Viena, la capital de la música. Apabullante visual y musicalmente, el guión, además, es muy entretenido (para aquéllos que no disfruten dramas de época, esta película no responde a la forma clásica de éstos), intenso, muy emotivo. A mí me toca todas las fibras sensibles.
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Muerte en Venecia
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Una adaptación notable 06-02-2007
Si es cierto que esta película me ha fascinado, también lo es que no es para todos los gustos. Muerte en Venecia es una película de un ritmo lento, muy lento, y prácticamente muda (salvo contados pasajes del film, donde se conversa mucho). Sin embargo, de partida, la fotografía es alucinante. Si algo caracteriza el cine de Visconti es el tomarse los tiempos necesarios: para la reconstrucción de época, para crear una atmósfera, preocupándose por los espacios, los colores, la transmisión de un sentido a través de simplemente el ambiente creado (acompañado de la música, que en este film es una muy buena selección de Mahler). Pero, por lo mismo, el ritmo es muy pausado.
Si no eres capaz de dejarte llevar por la imagen sin historia, en que nada pasa aparte de lo que se ve, la película no es para ti. Además, las actuaciones son sólidas, y el actor que representa a Tadzio, con una ambigua y demoníaca belleza, está muy bien elegido. En fin, tomándose sus tiempos, reconstruyendo el espacio y los personajes, la película transmite muy bien la problemática de la novela de Mann (el arte, la decadencia, la oposición entre belleza espiritual y carnal, y esta oposición en relación con el arte, etc.), con una gran sensibilidad plástica y musical.
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Little Miss Sunshine
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Una pequeña joyita 11-05-2007
La sencillez de las emociones; la inconsistencia de los pilares en que fundamos nuestra seguridad de lo cotidiano, de la rutina; cómo generamos el autoengaño y las falsas razones de nuestra estabilidad; y finalmente cómo esa frágil estabilidad merece la pena ser por fin destruida, develadas las máscaras, encontrando una razón más profunda (pero muchísimo más sencilla y pura) para encontrarnos no sólo con nuestro verdadero rostro sino con el de nuestro entorno, nuestro más cercano y querido entorno: las múltiples caras del amor. Así, con una historia sencilla, directa, perfectamente construida, esta película logró superar todas mis expectativas, creando un espacio íntimo y sentimental (el sentido de la familia) que muy pocas películas logran. La hora y media pasa volando, y dan ganas de seguir conociendo a cada uno de los maravillosos personajes que construyen esta historia, sobre el amor, la familia, la honestidad, la simpleza y la entrega incondicional.
No es una simple historia sobre una tierna niña linda; esa niña linda es sólo uno más de los personajes tan íntimos y reveladores que se nos exponen. Esto, además, en una película sumamente entretenida, tierna, y con muchísimo humor de buena ley. La maquinaria emotiva se pone en movimiento para hacernos reír tocando nuestros más profundos sentimientos casi imperceptiblemente, demostrando que lo sencillo puede ser mucho más profundo y revelador, siempre que se haga bien. Para verla, muchas veces
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Marat-Sade
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El mejor teatro en el cine 30-03-2009
Excelente adaptación de la obra de Peter Weiss. Logra captar la esencia dramática del texto, por lo que es una película muy teatral, pero no en el sentido peyorativo del término, sino todo lo contrario. Es, digamos, teatral hasta la náusea: la película es la representación ficticia de la representación de una obra, montada por locos y dirigida por el recluido Marqués de Sade. Qué más se puede decir. La película, además, está dirigida por el encargado del primer gran montaje en inglés de la obra, lo que no es menor, pues se trata de uno de los más importantes directores de teatro del siglo XX, y talvez el mayor aún vivo y en actividad. Así, como pocas películas, encantará sólo a quien disfrute del arte teatral, sin perder, en el camino, su potencialidad cinematográfica. De un tono fuerte, políticamente comprometida, la obra muestra el cruce entre dos de las grandes individualidades del siglo XVIII: el ambivalente Marat, odiado por muchos (como causante de las grandes masacres post-Revolución francesa) y amado por otros, representa al individuo que lleva al extremo sus ideas sociales (según dicen, antecesoras del marxismo); frente a él, Sade, el ser individualista por esencia, pero que fue rescatado en el siglo XX como uno de las banderas de lucha de la liberación sexual y, por lo tanto, social. Compleja visión de la historia, la política, la sociedad y el teatro. Nota aparte: esta película no está emparentada para nada con Letras prohibidas, la película de Kate Winslet.
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El Chacal de Nahueltoro
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Cine de calidad internacional, marcado por su época 23-05-2007
No hay un solo elemento en esta película que sobre, que esté mal logrado, que sea efectista o que dé esa ligera impresión de amateur que tiene buena parte del cine chileno. No le tenía mucha fe a este film, tan tradicionalmente considerado uno de los mejores, si no el mejor del cine nacional. Y sin embargo, si nos interesa el cine como una más de las artes y no sólo como pasatiempo, se entiende porqué El chacal de Nahueltoro está tan bien catalogada. Con una estética muy similar al cinema novo brasileño, y en general a todo el buen cine latinoamericano de estos años, que se opone explícitamente al cine comercial de Hollywood, poniendo en escena problemas sociales (tan incómodos al cine yanqui) de la realidad latinoamericana, con una estética muy cercana al documental, pero con una sintaxis y un trasfondo artístico que lo acercan a la nouvelle vague francesa (recuérdese que se hizo bajo el alero del cine experimental de la Universidad de Chile), la primera realización de Littin está realmente bien lograda. Eso en lo que a aspectos técnicos se refiere; en cuanto al contenido, la cruda realidad que nos muestra esta película realmente llega. Si hay un contenido sociopolítico detrás, éste se cumple a cabalidad: nadie puede salir indiferente tras ver esta historia. La actuación de Nelson Villagra, de lo mejor que he visto en el cine nacional.
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El Color del Paraíso
TE
El lenguaje de Dios 27-03-2008
Porque cada detalle ha sido cuidado hasta el cansancio; porque pese al bajo presupuesto la fotografía es maravillosa; por la simpleza de su historia que sin embargo conmueve hasta las lágrimas y encierra un poderoso trasfondo cultural; porque las actuaciones son tan naturales que uno se pregunta si realmente es una representación lo que estamos viendo (sobre todo en el pequeño protagonista); porque su realismo a la italiana se cruza perfectamente con sutiles toques de fantasía; porque su realismo pesa como la realidad: duele como ella, conmueve, deslumbra como ella; porque la música aparece en el momento preciso, sólo lo justo y necesario: la naturaleza habla acá un poderoso lenguaje, y se revela en la escritura invisible de sus productos; porque sin ser grandiosa esta película tiene todo lo necesario para ser considerada una pequeña obra maestra, y porque el grandioso cine iraní logra en ésta uno de sus puntos más altos, hay que ver esta película. Y se puede amar.
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Casablanca
TE
Clásico modélico 02-07-2007
¿Cuánto podemos esperar de los clásicos? Todo depende de nuestra capacidad de acercarnos a modelos que poco se corresponden a los actuales, en actuación, estructura de la trama, verosímil, censura (cuán recortadas se vieron las posibilidades del cine norteamericano gracias al famoso código Hays), etc. El suspenso y el romance son dos de los géneros que más han cambiado, ya que responden mucho a convenciones; así, es normal aburrirse con thrillers que en sus tiempos mantenían en vilo al público, o encontrar en romances de época una suma de clichés.
En fin, toda esta introducción no es más que un preámbulo para un pequeño homenaje a un clásico que se mantiene absolutamente vigente y en plenitud. Vi esta película por primera vez, básicamente porque HAY que verla, sabiendo que no necesariamente iba a ver lo que vio el público hace sesenta años. Pero gratamente me sorprendí con una película con un guión muy apretado y perfectamente armado, unas excelentes actuaciones de los protagonistas, una fotografía muy cuidada, y un manejo del suspenso y del romance perfectos. Así es esta película, la que tiene más frases para el recuerdo en la historia del cine (creo) y que fundó un ícono del romance cinematográfico. Bien, muy bien. De este clásico se puede esperar mucho.
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Macbeth
TE
Infravalorada 24-01-2007
A mi juicio ésta es la mejor de las versiones de la tragedia shakesperiana, la que más respeta la atmósfera oscura y terrible de la más terrible de sus obras. Los recursos expresionistas, siempre presentes en Welles, llegan a su cumbre en ésta. No hay que detenerse tanto en la historia, o en actuaciones que, salvo la del mismo Welles, pueden parecer un poco anticuadas. Es el uso de los claroscuros, las tomas en picado o contrapicado, lo rudimentario del decorado. Todo en esta película nos invita a sumergirnos en el mundo de lo fantástico, de las brujas (lo más notable en este filme), de la traición y la sangre. Puede que no sea muy accesible a quien no esté acostumbrado al cine norteamericano de los años 30 ó 40.
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Expiación, Deseo y Pecado
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Excelente y bella realización 19-03-2008
Con una dirección de arte y una cinematografía deslumbrante (en especial la bella fotografía de las escenas iniciales y el espectacular plano-secuencia de la guerra, en Dunquerke), la película, además, está muy bien lograda tanto en el argumento como en los diálogos y las actuaciones. En la mayor parte de las escenas logra escapar del cliché y las frases pre-hechas; la gestualidad, el manejo de la cámara y las actuaciones hacen que, por ejemplo, la escena de seducción de la pareja protagonista sea todo un logro, de una pasión contenida notable, de un erotismo de altísima calidad sin necesidad de desnudos o diálogos insulsos, permitiendo, al fin, que la sexualidad y el deseo vayan de la mano del amor, y no sólo en parejas marginales o al menos diferentes, como acostumbra el liberal-pero-en-el-fondo-puritano cine nortemericano.
También la escena del breve reencuentro de la pareja antes de la partida de él es notable: diálogos cortados, nerviosismo, contención, sin frases inolvidables que nunca nadie ha dicho en la vida real sin que el otro se mate de la risa. Así, la película traspasa las fibras sensibles de todo aquel que se reconozca en la pasión, en la seducción, en el erotismo del amor. Por lo demás, es notable la ambigüedad moral que transmite la película, la expiación y la culpa, la cuestionable inocencia infantil. Finalmente, la música también es un punto alto de este filme que, si bien no es perfecto, técnicamente es notable en todo sentido.
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Babel
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Con altibajos, pero el total gana 27-01-2007
Tal vez como respuesta al comentario anterior, coincido en que la sensibilidad (aunque a ratos artificiosidad) para construir esta parábola de la globalización, es notable. Las historias en general se sostienen por sí solas, y en su conjunto llenan un relato a múltiples voces de mucha fuerza y angustia. Lo que no coincido es respecto de la historia japonesa. En cuanto a la historia por sí sola, de acuerdo, pero a la película en su conjunto (que ésa es la intención del director) queda siempre afuera; da siempre la impresión de que nos estamos saliendo del tema del filme. Usando un artificio mal resuelto, considero que la gran falencia de la película es no haber podido articular esta historia dentro del total, y peor aún, intentar hacernos creer que sí lo está. Hay también, quizás, una negatividad excesiva que se convierte en predecible (por eso pensé en 3 y no 4 estrellas, pero en realidad el filme es intenso, muy muy bien hecho, y tiene mucho que decir). Brad Pitt y la actriz japonesa, lo mejor en cuanto a la actuación.
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Dersu Uzala
TE
Sabiduría ancestral 11-05-2007
Algo que me gusta del cine de Kurosawa es su capacidad de contar grandes historias de sustancia épica (Los siete Samurai; Yojimbo) y luego pasar al más íntimo de los dramas personales (Vivir, Rapsodia en Agosto). En Dersu Uzala se da una perfecta conjunción de estas dos vertientes del director japonés: por un lado, las aventuras de estos exploradores soviéticos y este entrañable personaje llamado Dersu (una especie de maestro Yoda de la taiga: el habitante más pequeño, anciano, y aparentemente inocente e ignorante es el ser más sabio y poderoso del mundo en que habita), llena de eventos, aventuras y aprendizajes, en que la naturaleza y su relación con este guía juegan el papel principal (ya que vemos todo desde la mirada del capitán, un extraño en ese mundo).
Pero luego viene el drama personal: Dersu debe salir del mundo que conoce y entrar en el mundo del capitán, volviéndose ahora él el extraño en el mundo, y por lo tanto perdiendo el valor y sabiduría que lo caracterizaba. En el mundo urbano, Dersu es lo que parece ser: un viejo decrépito y algo chocho. Dentro del ritmo lento que caracteriza a Kurosawa, esta película es bastante entretenida, simple en su estructura y lenguaje, y de muy buena factura.
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Trono de Sangre
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Entre las telarañas 11-05-2007
Kurosawa se toma sus tiempos. La lentitud de algunas escenas del maestro japonés, que tanto desespera a espectadores de cine contemporáneos, se exacerba en esta versión del Macbeth de Shakespeare. Entiéndase: esto, en este director en particular, es una demostración de maestría y perfección en la construcción de la imagen y la representación. Se toma sus tiempos en construir una historia densa, con muy pocos diálogos (a diferencia de la obra que le sirve de base), que avanza pausadamente (visualmente) a su fatal desenlace. La estética de Kurosawa realmente se espectaculariza en este film, de no fácil acceso a aquellos que no estén acostumbrados a este tipo de cine.
Esta es, a fin de cuentas, una gran adaptación del clásico de Shakespeare, que rinde grandes frutos al ser fusionado con la cultura japonesa, tanto en el contenido (mítico e histórico) del relato como en la puesta en escena. Los diálogos, despojados de toda retórica, ganan en intensidad por su manera directa y seca de ser dichos, y ahora la poesía shakesperiana se traslada por entero a la pantalla.
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Gracias Por Fumar
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Entretenida, inteligente y suficiente 02-04-2007
Esta es una sátira inteligente, concisa y bien armada. No es una comedia hilarante, pues no es esa su intención, pero sus altas dosis de ironía y autocrítica de la sociedad norteamericana la convierten en una película interesante y a la vez muy entretenida de ver (y, sí, no es hilarante pero logra sacar algunas risas con humor de buena ley). Con un buen reparto, tiene además un guión muy preciso. Vale la pena.
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Con las Alas Rotas
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Drama humano 05-03-2008
No se puede esperar ni vericuetos inesperados en la trama, ni grandes lagrimones o una fuerte crítica social, y sin embargo sin embargo nuevamente tenemos un filme conmovedor y sensiblemente elaborado en esos parajes del mundo. Cada uno soportando a su manera su propia carga, cada uno sobreviviendo a su manera: no hay culpables, no hay héroes, y cada una de las acciones de estos personajes (el aparente odio de la hija a la madre; la rebeldía de un hermano y el silencio del otro; las horas de trabajo desmesuradas de la madre) es tan comprensible y humana como reprochable, frente a la muerte de un padre (cual destierro judío). Cómo la vida. Cómica, pero también terrible. A ratos demasiado humana.
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Medianoche en París
TE
Refrescante 18-01-2012
Hace tiempo, hace mucho tiempo que no veia una de Woody como esta. No hay que dejarse engañar, tampoco es una joya, como en algunas criticas la pintan. Pero es un regreso del mas prolifico comediante de las ultimas decadas, a su genero dilecto: la comedia, con un guion inteligente, una trama agil, y con un nivel de fantasia que maneja a la perfeccion (al estilo de la Rosa Purpura o Alice). No es facil escribir, dirigir y a veces actuar en al menos una pelicula en cada uno de los ultimos cuarenta años. Tuvo su pequeño renacer con Match Point, pero fuera de su ambito. Vicky Cristina Barcelona estaba bien, pero es esta donde se ve realmente revitalizado, recuperando, a los 75 años, la misma creatividad de siempre.
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Ugetsu
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De los sueños, el amor y la guerra 26-06-2007
Como en todo el gran cine japonés de la época, esta película logra capturar con el ritmo pausado de sus imágenes, con la atmósfera que poco a poco va creando (con la cámara, el espacio y la música), con actuaciones que poco a poco van subiendo en intensidad. El universo femenino que nos presenta Mizoguchi está marcado por las polaridades: la paz y la guerra, el mundo de los vivos y de los muertos, el sexo masculino y el femenino, los sueños y la realidad; sin embargo, esas polaridades se resuelven, a mi juicio, en esta última, en sueños (el dinero, el ser samurai, la familia) que terminan por golpearse con la dura realidad: la guerra, que en esta película mejor que en ninguna otra se dibuja como un espectro, siempre latente, amenazante, expectante, que aparece sólo para hundir las expectativas de los protagonistas.
Es un fantasma que nunca aparece, sólo es sugerido (así las matanzas, la destrucción, las violaciones son más un fantasma que un hecho concreto en pantalla) pero que lo inunda todo. Sin embargo, pese a su aparente fracaso, el mundo de lo femenino logra sobresalir por sobre el masculino tanto por su entrega como por sus valores, incluso como espíritus encarnados: la paz se encuentra sólo en la tumba de la mujer. La gran cantidad de situaciones que se muestran en una película de corta duración talvez no permitan el desarrollo suficiente de algunos aspectos puntuales de ella (por ejemplo en la profundidad de personajes otros que el protagonista), pero no de su esencia. Cine de gran factura, muy al estilo de sus contemporáneas.
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